domingo, 30 de noviembre de 2008

¿Dragon Ball es buen anime?

Kota Hirano (Hellsing)
Ocram y C Invazores nos avisan que después de años de años, salió un nuevo capítulo de Dragon Ball, la creación archipopular de Toriyama. La vi y concuerdo que fue divertido sentir la nostalgia de nuevo (hace años que no veo a ni uno de estos personajes). Sin embargo me quedé pensando en algo: ¿Fue un buen anime o solo un fenómeno cultural?

Primero lo primero, nadie puede negar que de lejos es EL o uno de los animes mas populares de todos los tiempos. Fue considerada la propiedad más cotizada por ICv2 entre todos los animes para el primer semestre del 2007 y hasta hoy ha vendido más de 150 millones de volúmenes (sorry Marvel y DC).

Kishimoto Masahi (Naruto)

¿Pero es alta calidad? O peor aún ¿Es arte? Recuerdo que Hergé (creador de Tin Tin) le preguntó una vez a Andy Warhol si Tin Tin era arte pop. Warhol lo miró fijamente y no respondió. Y varios críticos concuerdan con él. Solo cuando un artista ve un comic o manga con una intención artística seria y decide resaltarlo como arte popular (te estoy viendo a ti Liechtenstein), es que la pieza se eleva a un nuevo plano y se convierte en arte.

Takashi Murakami es el artista pop japonés mas cotizado del momento, una especie de Warhol nipón para el siglo 21. Una de sus esculturas es una especie de sayayín desnudo con un espada en forma de tornado que emana de su… ya se imaginan. Según él, “la narrativa cíclica de Toriyama tiene la capacidad de avanzar de manera racional, sin ningún desliz y con gran finura”.

Yoshio Sawai (Bobobôbo Bôbobo)

Pero igual sigo sin ver a Dragon Ball como buen anime. Evangelion podría serlo. Las obras de Tezuka de todas maneras. Las películas de Miyazaki igual. ¿Pero Dragon Ball? Como la mayoría, vi y disfruté toda la serie (menos la abominación que era Dragon Ball GT) y para decir la verdad, dudo que pueda volver a hacer el esfuerzo. Las historias son demasiado repetitivas, las peleas y los ataques siempre iguales… miren como Matt Maioriano recrea una escena típica de Dragon Ball:

GOKU: ¡No escaparás Freezer! ¡Voy a usar la GENKI DAMA!

FREEZER: ¿Genki Dama?

GOKU: Si.

** Corte a varias escenas de bosques, pájaros y la naturaleza**

GOKU: La genki dama es la colección de toda la energía del planeta. Los árboles, los animales, el agua y las personas. Voy a juntar todo en una sola bola y te lo lanzaré encima. No importa el hecho que tenga el coeficiente intelectual de un retrasado mental, ¡Igual me encargaré de ti! Aprendí esta técnica sagrada de un panzón azul en el más allá que dice ser el más fuerte de todo el universo. Sin embargo, nunca nadie lo ha visto pelear.

FREEZER: Hmmm… ¡Estúpido Sayayín!

**Corte a Gokú como si estuviera dando a luz**

GOKU: HAAAAAAAAAAAA!!

**mientras tanto**

GOHAN: ¡¡WAAAAH!! ¿Dónde está mi papito? ¡Quiero a mi papitooooo!

KRILIN: ¡Rayos chicos! Gokú va a lanzar la Genki Dama ¡DALE GOKUU! ¡Tu puedeees!

BULMA: ¡Miren todos! ¡Tengo senos!

PICCOLO: ¿Genki Dama?

KRILIN: La Genki Dama es la colección de toda la energía del planeta. Los árboles, los animales, el agua y las personas. Gokú va a juntar todo en una bola y…

FIN

Y tiene razón. Lo que escribió no solo es una farsa, también pasa como un guión típico de Dragon Ball. Sin embargo no voy a mentir y decir que no me gustaba. Vi todas las sagas y me reí con Roshi robando calzones o con Mr. Satan. Y no soy el único. Masashi Kishimoto, creador de Naruto y Eiichiro Oda, creador de One Piece confiesan que Toriyama fue una gran influencia en sus estilos. Y se nota.

A lo mejor, la fuerza de Dragon Ball está en los arquetipos de los personajes y cuan bien se adecuan a las fantasías de niños y jóvenes. Algo parecido a Star Wars. Si la ves por primera vez a los 10 años, marca tu vida. Si las ves por primera vez a los 25, puede que no. Toda la serie representa la travesía de Gokú, el camino del héroe del que habla George Lucas. Y el hecho que su fuerza nunca para de crecer solo refuerza el deseo secreto que todos tenemos de solucionar nuestros problemas a golpes y patadas. Y por qué no, también con genki damas.

Eiichiro Oda (One Piece)

sábado, 29 de noviembre de 2008

Alan Moore: LA ENTREVISTA, parte 3

Yada yada yada, de frente a la parte 3. Parte 1 aquí y parte 2, aquí.

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DW: Recuerdo que en una época andabas preocupado que DC fuera a hacer ‘Kid Rorschach’ o algo parecido...

AM: Bueno, siempre es posible, nunca sabes que va a hacer DC: ‘Blot the Dog’ (risas). Volviendo al tema, necesitas lo siguiente para tu historia – vas a necesitar un mundo en el que transcurra la historia. Puede ser un mundo real, puede ser uno imaginario – no importa, de cualquier forma vas a tener que inventarlo porque en tu historia nunca va a existir el mundo real tal cual lo conocemos. No existe un mundo real objetivo, al menos no conozco a nadie que haya visto uno. Lo que hay, son muchos mundos subjetivos, como en Voice of the Fire en la que escribo de Northampton. Debes tratar de ser lo más fantástico que puedas con tu descripción, en la manera en que imaginas el lugar, ya sea un mundo alienígeno, algún paisaje exótico, los pantanos de Louisiana o cualquier otro – tienes que extraer la poesía del lugar – hacerlo real.

No importa si tu mundo es real o no. Hazlo real, dale una realidad emocional, dale una realidad con tus palabras para que cuando las personas lo lean, tengan una sensación de ubicación, de lugar, de situación. Recuerda que tienes más de un sentido – no solo les digas como se ve todo, diles a qué huele el lugar, cómo se siente, a qué sabe. Eso te ayuda a crear una mejor sensación de lo que es real.


Ahora, en mi opinión los personajes son la parte más interesante y misteriosa y maravillosa del proceso de escribir. La estructura puede ser sorprendente – te sientes como un gran científico creando la estructura de una historia, pero los personajes – es algo más extraño porque solo tienes que pensar en un fragmento del personaje – puede ser un nombre, una personalidad, una cara, algo por el estilo. Y una vez que tienes ese fragmento, te pones a pensar: ¿Qué cosa sugiere esto? Si el personaje se llama así.. ¿qué apariencia tiene? Es como si pegaras de vuelta un jarrón roto. ¿Ahora que pegué estas dos partes, qué parte sigue?


Por ejemplo, Lost Girls es un comic hecho por mí y Melinda Gebbie. Creo que si hablo de cómo lo creamos en todos los niveles, nos puede servir para describir el proceso escrito. Melinda y yo decidimos que queríamos hacer algo erótico. ¿Por qué queríamos hacer eso? Bueno, nos pareció que había una necesidad, porque la mayoría de erotismo– o pornografía (y la diferencia suele recaer en el salario de la persona que la compra) – es lamentablemente en su mayoría, pura mierda. Es fea en todos los niveles posibles – fea estéticamente, fea físicamente, fea políticamente, moralmente… y no hay ninguna razón para que no lo sea. En especial cuando tenemos directores que hacen de la violencia algo hermoso.

DW: Cualquier tema puede ser hermoso…

AM: Claro, así que con muy pocas excepciones, ¿cómo es que nunca ha habido gran arte pornográfico? ¿Por qué no ha habido grandes novelas pornográficas? Todas hacen siempre las mismas cosas ordinarias.

DW: Creo que se debe a que las personas piensan que el sexo debe ser feo y cochino.



AM: Sí. Hay algo mal ahí – hemos identificado un problema. ¿Por qué alguien no puede hacer pornografía que sea absolutamente brillante? Además de erótica, astuta, hermosa, con buenos personajes e historia como una novela debe ser. Melinda y yo empezamos pensando en ideas sobre cómo hacerlo y eso tomó bastante tiempo porque había muchas malas maneras de cómo hacerlo. Lo que hacíamos era usar nuestro instinto, tomar una idea y tratar de seguirla y a ver a donde nos llevaba. Si iba a un lugar que no nos interesaba, la dejábamos a un lado. Entonces tomábamos otra idea. Hablando de esto, también tuvimos una idea anterior que habíamos dejado de lado hace tiempo. Pensamos que Peter Pan podía funcionar como una historia erótica en código. Creo que pensaba en la noción freudiana que dice que soñar es una metáfora de tener relaciones sexuales. Entonces, pensé: ‘Bien. Peter Pan. Le enseña a Wendy a volar, hay una isla de niños perdidos… podía ver que todo eso tenía bastantes matices sexuales, pero no sabía bien que podía hacer con eso aparte de…

DW: ¿Qué hay del Capitán Garfio? (risas)

AM: Tenemos cosas muy buenas con el Capitán Garfio. Al principio, no sabía que hacer con eso aparte de crear una versión ruda de Peter Pan, y eso no era suficiente, el sensualizar un cuento de niños. Pero Melinda me dijo entonces que había escrito un par de historias que tenía tres protagonistas femeninos… que por algún motivo le gustaba escribir historias sobre tres mujeres. Eso fue una idea al azar. Pero luego, llegué a conectar esa idea con la de Peter Pan. Me dije a mi mismo: ‘bien, ¿qué tal si Wendy de Peter Pan es una de estas tres mujeres?’, y entonces pensé inmediatamente en Alicia del País de las Maravillas y Dorothy del Mago de Oz. Pensé en estos tres personajes femeninos de tres cuentos de niños distintos. ¿Qué pasaría si juntamos a estas tres mujeres en un hotel, o en algún otro lado, y dejamos que cada una cuente sus historias, y las versiones sexuales decodificadas de las historias por las que son mundialmente famosas?

En este momento, todo empezó a tomar forma. Aún no se formaba por completo, pero ya estaba yendo a un lado. Luego, empecé a ver las fechas en que estas historias fueron publicadas, y traté de crear edades relativas de cada una de las tres mujeres, y en que periodo pudieron haberse encontrado, y que edad tendría cada una. Calculé que para 1913, 1914, Alicia tendría 60 años, Dorothy tendría 20, 19 y Wendy probablemente estaría en su edad media con 30, 35, algo así.



DW: Edad media?!?! (risas)

AM: Adulta mayor. Claramente no sería ninguna anciana. Y pensé: ‘Ok, pueden encontrarse en este hotel en 1913’, y especulé: ‘1913… por ese tiempo la guerra recién estaba en sus inicios y justo hubo un recital de Stravinsky en Paris en medio de todas las protestas. Y pensé:

¿No sería interesante si toda esta historia ocurriese en un lugar bello, un hotel art nouveau? En el que todo es perfecto y bello, es erótico, todos están teniendo sexo, tu sabes… es una pornotopía. Y en el fondo, detrás de todo esto tenemos las protestas y las peleas en el concierto de Stravinsky que hasta cierto punto mostraba el estado emocional de Europa en ese momento… Luego podríamos mostrar el asesinato de Franz Ferdinand… mostraríamos como todo se avalancha hacia la Guerra. Prácticamente la destrucción de la cultura europea, ver como todas las cosas bonitas se quemaban.

En ese momento, dije: ‘Aquí hay algo épico, hay una conexión bien fuerte entre la sexualidad y la guerra, porque la mayoría de personas a las que se les envía a morir en guerras son hombres jóvenes con mucha energía, que de tener la opción, en un mundo mejor, preferirían poner esa energía en tener sexo en lugar de reventarle las tripas a otro hombre.

Es una perversión. La guerra es una perversión del sexo. Solo tienes que ver el lenguaje de la guerra. Por ejemplo, varios pilotos jóvenes se excitan mucho cuando bombardean lugares y dicen cosas como: ‘Yeah, les metimos los misiles por la puerta trasera’. Homoerótico. También sueltan campañas propagandistas antes de ataques, diciendo cosas como que el enemigo es un homosexual… que tienen que convertirlo en su mujer. El Ayatollah Khomeini: ‘Oh si, le gustan los niños pequeños’, eso es lo que decían antes de bombardear Irán, o el coronel Gadaffi: ‘El se viste como mujer’, esto era algo que la CIA rumoreaba antes de que bombardearan Tripoli…hay muchas conexiones entra la guerra y el erotismo, así que tuve la idea de hacer algo original. Traer peso e importancia a la pornografía, y parecía que tenía un plot, las tres mujeres contando sus historias y de pronto empieza la primera guerra mundial, y tienes esas dos en yuxtaposición la una con la otra.



De ahí, decidimos crear los personajes. Ahora, puedes decir que los personajes ya existían de antemano, pero los personajes eran niñas pequeñas y lo que nosotros buscábamos eran mujeres. Examinamos a Alicia de Lewis Carroll: ¿Qué tipo de mujer de 60 años sería? Obviamente sería la más intelectual de las tres – también la más rara, la más excéntrica.

DW: ¿Viste Dreamchild?

AM: Si la vi, fue una buena pieza, pero ten en cuenta que Dennis Potter es un buen escritor…lo que nosotros creamos fue una lesbiana aristocrática con una adicción a las drogas, con una imaginación muy activa, que se siente un poco perdida…algo le pasó a Alicia de niña… fue a través del espejo y nunca regresó. Hay una especie de pantalla de cristal - probablemente algo que tiene que ver con el opio – entre ella y su persona. También hicimos lo mismo con Wendy. Wendy es de clase media, muy maternal, obediente, dulce, tú sabes… así que ella tendría que estar casada con un hombre mayor que ella, alguien que probablemente trabaje en la industria naviera y que sea muy aburrido, que no representa ningún tipo de amenaza sexual porque de joven algo le ocurrió a ella y su respuesta automática de adulta, fue alejarse del sexo y verlo como algo no deseado.

(el teléfono suena y hay un tea break)

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'La guerra es una perversión del sexo'... wow... Continúa el lunes con Northampton y la mejor hipótesis de Superman que he leído en mi vida.

(No he incluido ninguna imagen ‘muy gráfica’ de Lost Girls por obvias razones. Para los chismosos solo pongan Lost Girls en google images y ta da!)

viernes, 28 de noviembre de 2008

Concurso Mundo Viñeta: Café Cargado

Café Cargado, un espacio con entrevistas en tiempo real, nos ofrece el mejor resumen de lo que fue la semana de Mundo Viñeta al igual que un concurso bien curioso.


¿De qué se trata? Toma el panel de arriba del siguiente link y cambia todo el diálogo de Flix y el resto a tu gusto y antojo. Las bases las encontrarás en el mismo link. Como dice La Nuez, se trata de crear algo similar a lo que era el concurso Canalla en Caretas. ¿Quieres crear una conversación metafísica a lo Grant Morrison? Dispara ¿Quieres que se la pasen hablando de los petroaudios? Dale. No hay reglas. (salvo las reglas del concurso, claro)

¿Y para qué tanto esfuerzo dirán algunos? Bueno, Flix podrá ver tu reconstrucción y además ganarás un libro original de comics. Not too shabby.

Peter Parker: ¿Violador?


Say it isn't so Spidey! Emigdia Calleros Escamilla, una señora de 50 y tantos años de Monclova, Coah en Méjico ha denunciado por delito de violación a Peter Parker, también conocido como el Hombre Araña.

La mujer dijo al licenciado jurídico que el súper héroe entró en su vivienda por la madrugada y aprovechó que estaba dormida para atarla de pies y manos a la cama, para después abusar y saciar sus más bajos instintos en ella.

“Yo sólo le pido a Dios que ya no permita que Peter Parker continúe abusando de mí, pues en las noches ya no puedo dormir por temor a ser violada”, dijo Emigdia para concluir con su denuncia y luego se retiró de la Comandancia Municipal.

Yikes! Alguien llame a la tía May urgente. Si me preguntan, creo que Peter ha estado pasando demasiaaaaado tiempo con Norman Osborn. La nota completa, aquí.

Y gracias por el link a Dark Manticora de la Comunidad Comic Perú.

Alan Moore: LA ENTREVISTA, parte 2

Sin preámbulos, seguimos con la entrevista al autor de The Killing Joke. La parte 1, aquí. Como siempre, todo gracias a Daniel Whiston y L’Essaim Victorieux des Mouches d’Eau.
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DW: A lo mejor tu estilo se debe porque ya tenías una técnica de antemano...

AM:...y luego puedes ir más allá, es decir lo mejor es aprender a manejar primero la técnica… una vez que sabes como funciona todo esto, entonces puedes tirar a un lado el libro de reglas, puedes deshacerte del manual y, tú sabes, improvisar…

DW: Para alguien en mi posición, que recién está comenzando, ¿cuáles les dirías que son los elementos de esa caja de herramientas?

AM: Lo primero es: piensa en lo que estás haciendo, piensa en todo aspecto de lo que haces. Brian Eno era alguien cuya manera de pensar me influenció bastante cuando recién comenzaba a escribir comics. El era un músico y yo hacía comics, pero su manera de pensar trascendía lo suficiente para aplicarse a una variedad de campos. Una de las cosas que el decía era que las personas creativas estaban gobernadas por una especie de miedo supersticioso al momento de examinar su propio proceso creativo – era casi como manejar una bicicleta en el sentido que si te pones a pensar en cómo la estás manejando, te caes automáticamente.

(2 titanes: Neil Gaiman y Alan Moore)

Mi enfoque es el siguiente, si vas a vivir de esto (cómics), es como si decidieras ganarte la vida como un conductor. Al menos vas a necesitar saber que ocurre si un carro tiene que frenar en seco, saber para qué sirven todas las piezas dentro del motor... en realidad comprender tu propio proceso creativo... pensar en todo... pensar en lo que haces.

Si hablas de escribir cómics, entonces muchas de las mismas cosas de escribir en general se aplican, pero además hay otros conceptos que considerar porque estás trabajando con imágenes. Es una especie de ‘sobre gramática’, término que escuché alguna vez, en la cual tienes la interacción de elementos escritos y gráficos. No tienes palabras y dibujos por separado. Lo que tienes es la interacción de ambos.

DW: Scott McCloud habla de lo mismo...

AM: Sí, Scott. Es un chico listo. La verdad no estoy muy seguro sobre sus ideas de que ‘todos los comics en el futuro van a ser online’. Está hablando sandeces ahí…

DW: Yo sí concuerdo con él en algunos puntos...

AM: Es académico... se está excediendo con su segundo libro, tiene muchas cosas que no son realmente precisas. Pero su primer libro es impecable.

DW: Tal vez eso viene de alguien que es más un analista que un practicante... Scott McCloud no ha escrito tantos libros como él cree...

AM: Creo que se ha vuelto más que nada un evangelista... él cree bastante en la idea de que ‘todo sería mejor si está en computadoras’, sin en verdad pensar en cuán práctico puede ser…

DW: Cómo tener que mover el cursor sobre páginas de un cómic que mide 20 metros de largo...

AM: Podrías hacerlo, y creo que él ha hecho una tira cómica especialmente para ese formato que puede ser leído en diferentes formas. Suena muy bonito, un experimento interesante, estoy seguro que me gustaría hacer algo parecido en algún momento… la cuestión es que con Promethea 12, visto desde un punto de vista material, es exactamente la misma tecnología que Action Comics 1… es un número de hojas de papel con dibujos e imágenes impresas en ellas y con una grapa en la mitad.


Sin embargo, Promethea 12 es una historia completa del universo dividida en 22 cartas del Tarot, con un comentario en verso, un mural – el cómic entero es un mural que si lo desarmas todo y unes las páginas forma un mural gigante. Los extremos del mural están unidos así que continúa infinitamente. Además hay un chiste contado por Aleister Crowley que avanza en la parte inferior de cada página ,y hay anagramas perfectos de la palabra ‘Promethea’ – 22 de ellos (risas) – que encajas perfectamente con las cartas del Tarot y la época de la historia en la que aplicamos las cartas – ahora dime si eso no es alta tecnología.

Para mí, la tecnología básica son las palabras. Es decir, la palabra no es la tecnología, es la fruta de la tecnología. El secreto de la tecnología es el ‘logo’ – tecnología significa escribir sobre un cuerpo de conocimiento. La palabra es la madre de toda la tecnología, todas las tecnologías están basadas en la palabra. Al trabajar con el lenguaje, tratar de ser un escritor, vas a tener que vértelas con el lenguaje. Si son cómics, entonces va a haber un elemento gráfico, pero muchas de las cosas básicas son las mismas. Si quieres aprender a escribir, se analítico, y probablemente eso significa que al comienzo vas a tener que ser un minimalista. Tratar de abarcar todo al mismo tiempo es un problema demasiado grande, al menos cuando recién estás empezando. Trata de dividirlo en partes pequeñas. Empieza a pensar en los diferentes componentes de la historia.

¿Qué cosas debe tener una historia? Debe tener un plot, aunque esto no siempre es lo más importante. El plot es el esqueleto. A veces, un plot hermoso y elegante es de lo que trata la historia, y eso es excelente, pero a veces un plot solo necesita ser un hilo de eventos que te lleve del punto A al punto B o D o lo que sea.

Ahora, también debes considerar de qué se trata la historia, lo que no es lo mismo que el plot. ¿De qué trata la historia? ¿Qué estás tratando de comunicar? ¿Que impresión quieres dejar en el lector? En cierta forma, la historia, o poema, o verso o lo que sea que estés escribiendo es tu proyectil. Imagina que es un proyectil que ha sido diseñado para ser aerodinámico y que tu blanco es la suave masa gris del lector. ¿Qué forma o qué tipo de cicatriz quieres dejar en el cerebro del lector? Tienes que diseñar tu misil de acuerdo a tus propósitos. Tu arma es la información. Puede ser información factual, información emocional, información sicológica…algún tipo de información… puede ser no-lineal, puede ser más bulla que información… algo como James Joyce, porque en verdad es la bulla la que contiene la mayoría de la información.

Señal pura es como Janet y John – puedes entender todo lo que hay en la página, pero más allá de eso, no hay nada más que entender. Bulla – o algo parecido a la bulla – es como una página de Joyce o de Ian Sinclair – en las que hay tal densidad de información que casi se vuelve incoherente, pero en verdad está llena de información. Así que es la manera en la que transmites la información - plot, la historia tiene que ser sobre algo, tiene que tener un propósito, tiene que tener una forma. Tiene que tener una estructura. Si en verdad eres inteligente, a lo mejor puedes lograr que la estructura, el plot y el tema, todos se reflejen el uno al otro – pero eso es solo si quieres hacerte ver inteligente.

Watchmen fue más o menos inteligente – estaba pasando por una de mis etapas inteligentes – probablemente mi inseguridad emocional, y pensé: “La gente se va a reír de mi porque estoy escribiendo cómics de superhéroes así que mejor lo hago muy muy inteligente, así nadie se va a reír de mi”. (risas)

En Watchmen tenemos toda esta metáfora con la cara del reloj, y sí, el cómic tiene una construcción en forma de reloj – una construcción digna de un reloj suizo – en la que puedes ver todas las partes. Áreas diferentes en las que el texto se refleja a sí mismo, niveles distintos – para ser honesto, sólo me estaba luciendo. Pero vas a necesitar todos esos elementos. No tienen que estar unidos a la perfección – es más, después de Watchmen, decidí que nunca más iba a escribir algo parecido, porque habiéndolo hecho una vez, hubiera sido tonto tratar de llevarlo más allá y hacer algo más complejo. Ya era una torta de boda lista y terminada – no quieres ponerle más chantillí encima.

(Continúa mañana con DC, Voice of The Fire y Lost Girls)

jueves, 27 de noviembre de 2008

El nuevo Batman

Spoilers por si eres el único que aún no lee Batman 681.

Bruno destrozó un helicóptero con un puñetazo y ya no está con nosotros. ¿Ahora a quién le toca? Tim? Jason? Damian? Alfred? Mmmm... Yo voy por Team Dick para el año que viene.

La mejor película que nunca has visto

Pon a Popeye, Bruce Lee y Caine de Kung Fu por separado y tienes tres héroes de la cultura pop. Ponlos juntos y tienes la mejor película de la historia. En The Dragon Lives Again, este trío de amigos pelean contra Dracula, James Bond y Clint Eastwood, quienes quieren apoderarse del inframundo.



No hay forma que pueda estar inventando esto. Y no, no he tenido la fortuna de ver esta joya del sétimo arte. También aparecen El Padrino, Zatoichi y Linda Blair. Me he quedado sin palabras. Tengo que conseguir esta película como sea. ¿Alguien sabrá donde la puedo encontrar?

Alan Moore: LA ENTREVISTA, parte 1

Esta es LA entrevista a Alan Moore. El genio, la leyenda, el brujo barbón. En otro medio como la literatura o el cine, Moore ya tendría desde hace tiempo una fama mundial. Pero porque se trata del mejor autor de comics, tenemos el gusto de no tener que compartirlo con las masas. Leer sus obras es un gusto escondido. Conocer su arte es disfrutar del cómic en su mejor forma.

(Este es el mejor escritor de comics del mundo)

Si nunca has leído algo de Moore, corre. Vuela y compra algo de él. Pero no te detengas con Watchmen. Tienes una amplia librería de la cual escoger:

- V de Venganza
- Voice of the Fire
- La Cosa del Pantano
- Promethea
- Halo Jones
- D.R. and Quinch
- The Bojefries Saga
- La Liga de Caballeros Extraordinarios
- Supreme
- A Small Killing
- Lost Girls
- Desde el Infierno
- Miracleman
Y etcétera, etcétera, etcétera. Si más ni menos, LA entrevista gracias a Daniel Whiston vía L’Essaim Victorieux des Mouches d’Eau. Parte 1.

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Tuve un fascinante encuentro con el Iluminado, rodeados de estantes crujiendo bajo el peso de libros y comics, y paredes cubiertas de parafernalia mística de todos los años. Habiéndonos introducido, empezamos con una introducción intensa de 2 horas en la que hablamos de sus métodos, opiniones y manera de escribir.

DW: Me siento raro haciendo esto porque nunca he entrevistado a nadie antes…

AM: Bueno, en realidad soy bueno para entrevistar porque estoy completamente infatuado con el sonido de mi propia voz… solo tienes que decir algunas palabras básicas y yo hablaré por las próximas dos horas… solo dime que me detenga si quieres cambiar de tema.

DW: La motivación egoísta de hacer esto es que para decir la verdad, yo estoy tratando de escribir y creo que me beneficiaría bastante de tu experiencia. Así que desde ese punto de vista estoy muy interesado en hablar de las mecánicas del oficio, y tal vez luego hablar de los aspectos creativos del nivel más alto.

AM: OK

DW: Así que a lo mejor podemos empezar hablando de las cosas básicas. ¿Cómo desarrollas el plot de una historia por ejemplo?
AM: La manera en la que me acerco al plot está en un constante estado de cambio y ha ido desarrollándose durante los últimos 25 años que vengo haciendo esto. Cuando empecé a escribir, vivía con tal miedo que llegaría al final de una historia sin tener un final para ella, o un final satisfactorio. Por esta razón, planeaba mis historias hasta el último detalle. Si ploteaba un cómic de La Cosa del Pantano de 24 páginas, tendría una idea en borrador de a donde quería ir en mi cabeza, tendría tal vez ideas vagas sobre cual sería un buen comienzo, una buena escena para terminar y cosas en el medio. Entonces, escribiría los números 1 al 24 a un lado de una página y escribiría una línea de descripción de lo que pasaría en cada página. Esto se convertiría en una manía con Big Numbers.


Cuando hice el plot para Big Numbers, lo hice todo, los 12 números en una sola hoja de papel A1 – lo cual era atemorizante. A1 da miedo – es el tamaño más grande. Dividí la parte superior en 12 columnas y creé 48 filas horizontales con los nombres de todos los personajes, así que todo se volvió un cuadro en el que podría ver que pasaría con cada personaje en cada número. Todo estaba lleno con una escritura enana y todo parecía el trabajo de un enfermo mental. Era la migraña hecha visible, era escalofriante.

Más que nada lo hice para asustar a otros escritores – Neil Gaiman literalmente casi se caga de miedo, el color huyó de su rostro cuando vio este trabajo cumulativo de locura. Aún lo tengo por algún lado. Pero no lo miro muy a menudo, no me hace sentir bien. Es más como un... “¿Dónde estaba entonces?”.


Bueno. Solía plotear meticulosamente, pero luego empecé a sentir que el plot – si haces algo como una historia de un crimen o un misterio, el plot se vuelve algo muy necesario. Pero algunas historias son puro plot y suenan como si un caballo caminara sobre piedras, sabes: “Plot plot plot plot plot plot…si si, tu plot tenía sentido pero no me interesó. No me importaban los personajes. Tu plot funcionaba perfecto pero no había una historia real”. Así que ahora no me obsesiono con el plot.

Con los America's Best Comics que he estado haciendo, soy más relajado – a menudo no tengo ni una idea a medias o a cuartas- comienzo solo con algo que me sirva para las primeras dos páginas: “Sí… eso va a ser bueno. Pongamos vaqueros con tres ojos. No tengo ni idea de qué van a hacer en la historia, pero este número va a tratar en su totalidad de vaqueros con tres ojos”. Lo curioso es que este tipo de historias, la de los vaqueros con tres ojos, siempre llegan por su propia cuenta a una resolución.

Hace 25 años que escribo cómics y ahora puedo hacer que cualquier historia llegue a una conclusión satisfactoria solo por el hecho que vengo haciendo esto desde hace 25 años – llegas a tener más confianza con tu habilidad de traer una historia de vuelta a casa. Puedes cabalgar sin montadura y tomar más riesgos. Esto me divierte bastante. Cuando escribí Voice of the Fire, sabía que el ultimo capítulo narrado por mí tendría que ser sobre algo que en verdad hubiera pasado, y que a la vez una todos los temas y motivos de la novela, así que me tomó cinco años escribir eso. Supe que no solo el último capítulo tenía que pasar en la vida real. Tenía además que pasar en la vida real durante el mes en que estuviese escribiendo ese mismo capítulo.

Así que si nada pasaba en ese mes, y nada ocurría con cosas que tengan que ver con degollaciones, perros negros u otros temas de mi novela, entonces habría malgastado los últimos cinco años de mi vida, porque mi novela no tendría un final. Estaba apostando por lo alto, pero la emoción cuando por fin funcionó fue realmente algo grande.

Si tienes el coraje, si puedes hacerlo sin acobardarte ni preocuparte, entonces siempre de alguna forma, esto llega a funcionar, si dejas que el proceso avance solo. Probablemente eso es algo – en aquellos días – cuando recién empezaba, yo era pura técnica, estaba obsesionado con ella y examinaría cada parte de la técnica meticulosamente, tratando de pensar en ella, cómo funcionaba, cómo podía cambiarla, qué efecto lograría al cambiar esto un grado a la izquierda, aquello un grado a la derecha.

En estos días improviso con más confianza, y me parece que mi material moderno es mejor, más fresco…


Continúa mañana con comentarios sobre Promethea y Scott McCloud)

miércoles, 26 de noviembre de 2008

Proyecto Bueller

¿Sabes quién es esta persona?


Es Ferris Bueller, el Arthur Fonzarelli de mi niñez. Ferris Bueller's Day Off es una de esas películas que si la ves de joven, te cambian la vida. Otro ejemplo es Volver al Futuro. La premisa es ultra simple. Ferris decide no ir a la escuela y se pasa todo el día con su enamorada y su mejor amigo recorriendo las calles de Chicago. ¿Para qué? Para divertirse y pasar un buen rato. Así de sencillo.

Una de las partes más famosas es cuando Ferris se sube a un carro alegórico en medio de un desfile y se pone a cantar Twist and Shout de los Beatles rodeado de miles de personas. Todos se ponen a cantar y bueno... mejor véanlo uds mismos...



Es una escena clásica del cine ochentero. Al parecer no soy el único que piensa lo mismo y el pasado 31 de octubre, 2000 voluntarios se disfrazaron de extras de la película y recrearon toda la escena del desfile en el Greenwich Village Halloween Parade en Nueva York. 2000 personas cantando Twist and Shout vestidos todos al mejor estilo de los ochentas. Excelente...



Hubiera hecho lo que sea para haber estado ahí con mi chaleco de estampado de leopardo.

Batman RIP

Hoy salió a la vente Batman 681, la conclusión de Batman RIP, la muerte del caballero oscuro. No hay vuelta que darle. Es una pastrulada más de Morrison y aunque hay mejores (Doom Patrol y Seaguy), es igual de maniática y desenfrenada que el resto. Para poder apreciarla, creo que es necesario ser aunque sea un poco versado en Pastrulería Morrison 101. Algo de Animal Man, algo de La Liga de la Justicia. Ponle Batman RIP a alguien que solo lee Uncanny X-Men y Amazing Spider-Man y de seguro te lo tira por la cabeza.

Por mientras, la mejor página de Batman 681.


UPDATE

- Ocram da su opinión sobre la muerte del encapuchado (uterodemarita.com)

- El Morsa ofrece una hipótesis al laberinto mental que es Batman RIP. (elmorsa.com)

SPOILERS

1. El enemigo y el “Guante negro”: El propio diablo. El maestro de la oscuridad. El adversario. Esa pista quedó clara en el episodio Batman 666. Me gustó mucho el diálogo interno de Batman/Wayne: “¿He alcanzado finalmente los límites de la razón? ¿He encontrado al Diablo mismo esperando? ¿Y había miedo en sus ojos?”. Clásico.

2. El origen de Batman: Quizá la parte más interesante. No queda muy claro si el diablo en persona es Thomas Wayne, pero hay varias pistas que se da en Batman RIP. Una, que la ciudad fue la que creó a Batman. (Arquitectura y magia negra es algo que aparece también en Batman: Arkham Asylum, también de Morrison). ¿Es la ciudad la que protegió a un pequeño Bruce Wayne frente al Diablo encarnado y lo convirtió en Batman? (Eso dicen las gárgolas a Batman, bajo los efectos de quién sabe qué drogas).

3. La muerte de Batman: Wayne se preparó todo el tiempo para este enfrentamiento, fue tentado por el Diablo mismo (su alma a cambio de mantener limpio su pasado y presente) y salió librado. Lo que viene es Final Crisis donde Batman/Wayne aparece nuevamente (sin capucha, en el entierro de Martian Manhunter) y allí supuestamente el caballero de la noche (Batman) encuentra su destino final. Bueno, si entendieron la imagen de arriba Batman/Wayne no muere, tal como Morrison lo prometió. Pasó su gran prueba y nada será lo mismo desde ahora.

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Hablar de Morrison puede tomar horas...

martes, 25 de noviembre de 2008

Hergé Odiaba a Tin Tin

Es verdad. En cartas nunca antes vistas, Hergé, el creador del comic europeo más famoso de todos los tiempos admite que se hartó del personaje favorito de millones al igual que de su perro Milú. Henry Samuel del diario Telegraph indica lo siguiente:

300 cartas se subastaron entre storyboards, álbumes, estatuas y dibujos de Hergé, seudónimo de Georges Remi – dirigidas a su primera esposa Germaine Kieckens, su familia y a su agente. Cuidadosamente escogidas por su sobrino Georges Remi Jr, estas cartas muestran como su entusiasmo por el reportero juvenil llegó a convertirse en tedio y duda.

“Estoy tan cansado”, escribió en 1947, poco después de la guerra. “Hay un divorcio por completo entre lo que yo pienso y lo que invento y dibujo. Y ahora, mi propio trabajo me da asco. Tin Tin ya no es algo mío. Debo esforzarme terriblemente para inventarlo… Si Tin Tin continúa viviendo, será a través de una respiración artificial que yo debo mantener funcionando. Me exhausta.”

… Así es. Hergé odiaba a Tin Tin y lo que representaba. Como si los Beatles dijeran que su música no es arte ¡Shock!

Ahora, un dato que no mucha gente sabe es que Hergé siempre menospreció su propio trabajo. Para él, Tin Tin era entretenimiento popular y bajo ninguna circunstancia, arte. Para que tengan una idea, en Europa los comics o BDs se publican cada año, o dos años. Eso es lo usual. Sin embargo, el esfuerzo era tal para Hergé que sacar un nuevo libro de Tin Tin era una obligación. De tal forma, que los nuevos libros de Tin Tin salían cada 5 o más años.

Cuenta una anécdota que cuando Hergé empezó a hacer pinturas de arte moderno, se las mostró a un crítico amigo suyo. Este las vio detenidamente y le dijo francamente que eran pura basura. Entonces, le preguntó:

¿Y cuando sale el nuevo volumen de Tin Tin?


En realidad es triste saber que el creador de una de las mejores piezas de arte secuencial de la historia, nunca llegó a disfrutrar su trabajo. Peor aún, nunca se sintió orgulloso de él. Hay un documental cuyo nombre no me acuerdo que examina todo este aspecto de su vida. Es muy bueno si alguno logra verlo alguna vez. Lo único que sé es que Hergé fue un maestro de maestros. (Spielberg dice que Tin Tin fue una de sus inspiraciones para Indiana Jones) Si alguno tiene dudas, miren los homenajes de abajo

Enki Bilal

Charles Burns


Max Marshall

Jeff Singh

El Nuevo Doctor

Rich Johnston lo confirma. Todo indica que Paterson Joseph va a ser el nuevo protagonista de Doctor Who en la 5ta temporada. No he visto nada de él así que no puedo opinar pero al parecer todos los fans están más que contentos con la decisión.





La Fortaleza de la Soledad es Real

Superman no es tan vivo como creía. La Fortaleza de la Soledad existe y se encuentra sobre el Círculo Ártico. Pero no... no se trata del hogar del kryptoniano. Esta fortaleza se llama 'La Bóveda Global Svalbard de Semillas' y su misión es la siguiente:

Conservar colecciones de semillas de todas las partes del mundo


¿Para qué? Esta Fortaleza de la Soledad, err... digo, bóveda fue creada por personas que quieren proteger todas las especies de plantas en caso ocurra un desastre natural. Como dice la revista TIME, es el respaldo de los respaldos. Dado que muchos tipos de vegetación están al borde de la extinción, la bóveda Svalbard se encargará de guardar 4.5 millones de semillas distintas que se conservarán a -18ºC. ¿Y por qué el ártico? En caso se malogre la bóveda, el frío intenso mantendrá las especies estables por miles de años.

De antemano tengo varias hipótesis que pueden hacer que esta bóveda sea útil.
- Desastre nuclear
- Ataque de zombis
- Epidemia de monos botando saliva por todos lados
- El día después de mañana


Mientras tanto, solo disfrutaré el grandioso nombre que escogieron para este lugar: LA BÓVEDA SVALBARD. Díganme si ese nombre no suena como un perfecto título para una película de ciencia ficción de los cincuentas.

La Bóveda Svalbard... excelente.

lunes, 24 de noviembre de 2008

Teoría de Animación por John K

La animación tiene el mismo estigma que los comics: todos creen que son para niños. Bambi, los Picapiedra y la Bella Durmiente se han encargado de transmitir esta idea por años. Y la verdad es que no tengo ningún problema con eso. Creo que hay un espacio para todo tipo de animación: desde Johnny Quest hasta Perfect Blue. Desde Cowboy Bebop hasta Bob Esponja. Hay animación para niños y para adultos. Perfecto. Pero entre nosotros, tengo un problema en especial con la animación dirigida para niños.

LOS NIÑOS NO SON IDIOTAS

Los que hacen dibujos animados creen que porque se trata de menores de edad, pueden venderle cualquier cosa. Material de mala calidad, dibujos mal animados, etc. Lo que sea con tal que de ahí puedan vender el libro de figuritas o la comida en Burger King. Lo peor de todo es que los niños son niños. Y lo que le pongas frente a ellos, lo más probable es que lo vayan a ver.

Ahora, yo no soy un experto en animación. Sé quien es Chuck Jones y he disfrutado de casi todas las películas de Miyazaki. Punto. Sin embargo, alguien que si sabe de animación y que es un experto con opiniones muy fuertes es John Kricfalusi, creador de Ren y Stimpy y animador por años para Hanna Barbera y otros grandes. John es una especie de rebelde en la industria y tiene un mensaje claro para los animadores de hoy en día: sean originales y no copien la basura que predomina en el medio.

He decidido traducir algunas de sus clases sobre animación. Tal vez alguien al leerlas, se llegue a inspirar. Tengan en cuenta que todo lo que dice viene de un punto de vista de animación puro, léase, sin considerar cosas como el guión o la narración.

CAP 1: Teorías de color - Relleno versus Calidez

COLORES DE RELLENO MUY MALOS


Por lo general, los dibujos animados no tienen buenos estilos de coloreado. Alrededor del 90% de ellos solo usan los colores primarios y secundarios, derechitos del tubo de pintura. Por lo usual, la gama de colores en dibujos animados es:

Rosado
Púrpura
Verde
Azul
Rojo
Naranja

Los cielos son azules, el pasto es verde, los troncos marrones y todo lo demás es rosado o púrpura. Yo llamo a esto “colores de video-casetera”. Los odio. Cuando veo a la mayoría de animadores novatos usar estos colores, la verdad me vuelvo loco.

Mira el color de la ropa de Aladino. Prácticamente no ha habido ninguna elección de color. Es simplemente el artista vaciando los tubos sin mezclar nada, sin pensar en la armonía de color, o los contrastes, o el calor o el tono.

La manera más sencilla de escoger colores es simplemente no escoger. Sólo usa los mismos que todo cartoon ha usado antes.

¡Diablos! Cada color en este encuadre compite por atención con todo otro color. Son iguales en su fuerza y por lo tanto la imagen no se lee como un todo completo. Es un rompecabezas hecho por partes individuales de colores primarios y secundarios. Tampoco ayuda el hecho que no hay composición para nada.

BUENOS COLORES CÁLIDOS, ARMONIOSOS Y COMPLEJOS

En contraste, acá hay algunos encuadres cálidos hechos por personas que saben lo que hacen y que han tomado buenas decisiones con los colores. En el fondo de arriba, Art Lozzi usa colores limitados. No usa todos los colores del arcoiris para pintar el paisaje.

El fondo tiene un tono específico y encaja detrás de los personajes como se supone debe hacerlo. Si esta escena estuviese pintada como las de arriba, el fondo estaría compitiendo por atención con los personajes. Debe haber un orden.

Miren. Hay verde en el fondo, pero no es el verde típico que sale derecho del tubo. Hay muchos tonos de verde. Hay verde–azul, verde-gris, verde-amarillo, verde-marrón. Los valores (oscuro y claro) no solo son versiones oscuras de los demás como en los ejemplos de arriba.


Dense cuenta que el cielo no es azul.

Bambi es un tour de force en color. Es tan sofisticado y hermoso, no se donde empezar a describirlo. Pero las teorías de color que usan en Bambi pueden ser aplicadas hoy en día en cartoons de manera más simple. Ren y Stimpy tuvieron buen color en una época. Igual las Chicas Superpoderosas y Escuadrón del Tiempo.


Mira lo cálida que se ve esta escena de Blancanieves. ¿Cuán mejor se ve que la basura morada y rosada del comienzo? Miren el piso. ¿De qué color es? Nisiquiera pueden decirlo. Una parte es gris oscuro, otra es marrón claro y en el medio, hay variaciones. Todas esas variaciones hacen que se vea real, a pesar que es obviamente una pintura estilizada, para nada foto-realista.

Bueno, todo esto es un preludio a teorías de colores. Los colores son una herramienta asombrosa que puede añadir tanto al tono y sensación de una caricatura. De igual manera, puede absorber y quitar todo el calor de una escena si se usa de mal manera.

En esta pintura de Mary Blair, los colores más brillosos se separan cada uno de los colores neutrales como blanco, gris, marrón, piel, etc. Los colores más brillosos siguen sin ser primarios o secundarios. Los pijamas son azules-grises. La muñeca es verde-olivo. Hasta los colores piel, no parecen piel.

Para mi, esto es mucho más colorido que usar el típico rosado, morado o verde que están por todos lados.

Esta pintura de Frazetta demuestra el concepto de la armonía del color. Todos los colores están en relación los unos con los otros. Hasta la piel se mezcla con el verde. Se usan pocos colores pero se usan de tal manera que son un millón de veces más ricos y “coloridos” que las horribles técnicas de pintado al comienzo.

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Y ahí termina la primera lección de John K. Como dije al inicio, sé poco de animación. Pueden concordar o no con lo que él tiene que decir, pero no podemos negar que lo que tiene que decir es sumamente interesante. Me recuerda a la calidad de color y animación en dibujos como Bugs Bunny o el Oso Yogui y cuan superior eran estos a los Shrek 3 o Era de Hielo 2 de hoy en día (recuerden que solo habla de técnicas de color).

¿Pero por qué los menciono? Porque cuando veo estos trabajos hechos en el Perú…

… se me viene al instante todo lo que acaban de leer. Como él dice:

¿Saben qué es triste? Estoy seguro que hay animadores muy talentosos que podrían hacer trabajos de calidad como a los de antaño, pero ningún estudio de hoy en día se lo permitiría. Lamentablemente, somos esclavos de prácticas y modas horribles y gente para nada creativa está a cargo. Todos los caricaturistas modernos están destinados a trabajar a una fracción de su capacidad.

Los niños merecen dibujos animados bien hechos. Deben saber que la animación es primero un arte y luego un comercio. No se necesitan millones de dólares para hacer trabajos de buena calidad. Sólo un poco de originalidad y creatividad.