martes, 31 de enero de 2012

Los mejores comics del 2011 - Puestos 7 a 1

¡Tarde, pero llega! La lista con los mejores comics del 2011 contraataca. Para hacerla rápida, repito lo que dije la primera vez: Esta es una lista personal y como tal, es inútil en su propósito. Vuelvan a preguntarme en dos años y lo más probable es que les mencione un orden completamente distinto e incluso otros títulos. Pero por el momento y al día de hoy, estos son los que considero como lo mejor del año pasado.

Se que también tienen sus favoritos personales así que siéntanse completamente libres de mencionarlos en los comentarios. Así que sin más ni menos, empecemos.

Y en caso no hayan leído la primera parte:

LOS MEJORES COMICS DEL 2011: PUESTOS 14 - 8

7 – Congress of the animals (Jim Woodring)


Jim Woodring es el maestro de crear travesías oníricas, que nadie les diga lo contrario. Tomemos por ejemplo algo tan simple como las conversaciones entre los personajes. Cualquier otro comic hubiese elaborado simples globos de diálogos con textos impresos. Pero no Congress of the Animals. En su lugar, las criaturas que emanan de la cabeza de Woodring transmiten sus pensamientos a través de posturas incómodas y expresiones faciales absurdas. Todo se dice sin palabras. Todo se dice en la mirada de ojos (los cuales dicho sea de paso, no siempre están en la cabeza de quien habla).

Lo que tenemos frente a nosotros es un viaje sicodélico como nunca se ha visto antes en un comic. Paisajes se desmoronan bajo nuestros pies para dar paso a mundos subterráneos. Ríos desembocados dan pie a mundos vírgenes e incivilizados. Hombres cerdos infatuados de poder, son hinchados literalmente hasta el punto de explotar. Woodring nos presenta un mundo como nunca antes hemos visto y lo que es mejor, un mundo que ha llegado a dominar al milímetro (Congress of the Animals es el último libro en la trayectoria de Frank, personaje que ha existido por varios años).

Leyendo lo que he escrito, caigo en cuenta que no he hablado mucho de la historia. Y es que si lo pienso bien, la verdad no interesa. Woodring es el ejemplo perfecto de que lo que importa no es qué historia cuentas, pero cómo la cuentas. Su estilo altamente jovial que evoca al unísono dibujos animados de los 40s y sicodelia de los 60s es el embudo perfecto para contar esta aventura de un ser fantástico que solo quiere regresar a casa. Consideremos a Frank, un ser que cualquier otro autor hubiese tratado como una especie de Bugs Bunny, un vivaracho propenso a las travesuras. Pero no Woodring. En sus manos, Frank es un sociópata; alguien que cuando ve al diablo no corre ni pelea, pero se agacha para alabarlo y quizás así encontrar un propósito en su vida.

6 – Habibi (Craig Thompson)


Ahh si… la historia de amor entre una niña y un niño de las manos del autor de Blankets. Thompson es uno de los ilustradores más virtuosos que hay en el panorama norteamericano y Habibi es de cierta forma su obra cumbre, la historia de una relación que triunfa a pesar de todos los males que el mundo tira encima. Pero más allá de eso, Habibi es también la historia de amor entre el ser humano y el poder divino, la mano que supuestamente guía nuestras vidas y que nos hace sufrir y amar sin lugar a cuestionamientos ni preguntas. La fe lo es todo y nosotros nada. Sin lugar a dudas el gran experimento del 2011, Habibi triunfa al ser uno de los libros más hermosos de los últimos años. No obstante fracasa al enlazar dos elementos confrontados. Como dije en mi crítica al libro:

“Irónicamente tanto los mejores momentos como los más grandes problemas de Habibi derivan de la misma fuente: la obsesión del autor con la cultura de los países árabes. Está más que claro que Thompson tiene una fascinación con el orientalismo – algo que se presiente desde Carnet de Voyage –. Lo vemos en todos lados, desde la composición de las páginas, hasta las secuencias oníricas, pasando por los bellísimos pasajes en los que la narradora simplemente se dedica a explicar ciertos aspectos pedagógicos como la caligrafía o las particularidades geométricas de ciertos símbolos religiosos.
No obstante, esto significa que el autor también decide incluir temas como el Corán, los principios del islam, los rituales ancestrales de los eunucos, etc. Mezclamos esto con la intención del autor de tratar al Medio Oriente como un mundo de hadas y al final, lo que nos queda es la sensación que Thompson mordió más de lo que podía comer.”

Puede que no cuaje del todo, pero Thompson merece compensación por atreverse a hacer algo de este tipo. Tenemos frente a nosotros a un artista en constante crecimiento espiritual y personalmente, espero con ansias su próximo proyecto.

5 – The man who grew his beard (Olivier Schravwen)


Háganme un favor y tatúense el nombre de Olivier Schravwen en sus cabezas. ‘El Hombre que Dejó Crecer su Barba’ es la joya europea del año. Esta colección de cuentos cortos busca ejemplificar al comic no como un medio narrativo, pero como una plantilla de experimentos estilísticos que evocan desde comics de comienzos del siglo veinte hasta historias contemporáneas sobre el mundo carente de alma en el que vivimos hoy. Tomen por ejemplo ‘Cortes de Pelo’, una historia que empieza con una exhibición de 6 estilos de peinado en 6 paneles simétricos, para luego describir como el estilo que nos toca y que por lo tanto nos representa, es capaz de moldear por completo nuestra personalidad.

En cierto sentido, las historias de Schravwen son como acertijos que necesitan ser decodificados. La narrativa no siempre es lineal y muchas veces se ve interrumpida por apreciaciones analíticas que reflejan el mismo tono del comic. Tenemos así comics en blanco y negro sin uso de sombra alguna para retratar la frialdad de un aula universitaria o mezclas excéntricas de colores que se escapan de las líneas cuando vemos lo que sucede dentro de una mente sicótica. Es de esta forma que los comics del autor demandan varias releídas, nos piden que regresemos y nos enfoquemos en el uso de colores o en el por qué de la composición de la página.

Quizás el enfoque principal de Schravwen está en el tema de la realidad. No la realidad física que nos rodea per se, pero la forma en la que la interpretamos y definimos mediante las relaciones externas e internas que vamos forjando a medida que pasan los años. Las historias dentro de ‘El Hombre que Dejó Crecer su Barba’ son percepciones humorísticas, cínicas y absurdas sobre la naturaleza del ser humano – las cuales muchas veces son contadas a través de ver a un hombre hacer absolutamente nada. Piensen en eso. A veces aprendemos más sobre alguien al verlo sentado que al tener que escucharlo recitar todo un monólogo sobre sus intenciones. Y bueno, Schravwen es un maestro en esto.

4 – Big Questions (Anders Nilsen)


Anders Nilsen es una máquina. Solo él puede hacer un comic de más de 600 páginas que gira en torno a pájaros teniendo conversaciones filosóficas alrededor de un montón de semillas desparramadas en el suelo. El comic empezó en los 90s en el formato de pequeñas tiras gráficas. Pero a medida que pasaron los años, el mundo de estos pájaros fue evolucionando, desarrollando personalidades para cada animal y estableciendo una relación extraña con determinados seres humanos.

En otras palabras, esta es una historia que se ha estado cocinando por 15 años en la cabeza de Nilsen. Y el resultado es una secuencia de ponderaciones extensas sobre nuestro rol en el mundo contemporáneo y lo importante que es mantener siempre un contacto con la naturaleza. Los pájaros que tenemos frente a nosotros son animales que ignoran varias cosas sobre el mundo moderno: confunden un avión con un pájaro gigantesco y a una bomba con una especie de huevo. Pero dentro de su ignorancia humana, son más felices que cualquiera de los seres humanos y más nobles en su búsqueda de autosatisfacción.

Tomen por ejemplo una de las líneas de diálogo al final del libro. “Nosotros no podemos saber a ciencia cierta el resultado de nuestras acciones”, dice un pájaro. “Pero si actuamos de buena fe y damos lo mejor que podemos, todo terminará bien al final”. El mundo que nos presenta Nilsen es un mundo crudo y desolado. Pero aún en el medio de toda perdición, siempre habrá un rayo de esperanza. Probablemente lo más irónico es que para un libro que se llama ‘Grandes Preguntas’, obtenemos muy pocas respuestas. ¿Quién sabe? Lo más probable es que esta haya sido la intención de Nilsen desde un comienzo

3 – Forming (Jesse Moynihan)


Forming es… uhmm… un libro difícil de describir. Y es que creo que si digo que es la historia de un planeta que abarca desde la lucha de seres mitológicos al estilo de la WWF hasta la infiltración de dioses alienígenas en la conciencia colectiva del primer grupo de Homo Sapiens, no le estaría haciendo justicia al comic.

Forming es un relato épico sobre la creación del planeta Tierra. Pero más allá de eso, es un recuento fascinante sobre los orígenes de conceptos como sociedad, alma, conciencia y muerte. Los personajes que Moynihan nos presenta son seres que no tienen un patrón social de cómo comportarse - el único pilar moral al comienzo de la historia es Mithras, una divinidad sumamente engreída que insulta, se emborracha y tiene sexo por doquier -. Los seres humanos que tenemos frente a nosotros son personas altamente impresionables que recién están aprendiendo a comportarse. Para ellos, todo es nuevo. Consideremos esta idea por un momento: gente que toma las cosas por lo que son, sin ejercer prejuicios de ningún tipo de antemano. Lo que presenciamos entonces, no es solo la creación del mundo como lo conocemos. Es la creación de todo mal, toda cualidad negativa que nos permite mentir, engañar y herir a costa de cumplir nuestras propias metas. El hecho que todo esté oculto bajo un manto mitológico no lo hace menos verosímil. Esta es la historia de los orígenes de nuestra propia destrucción.

El primer volumen de tres, Forming es además un hermoso libro pintado a mano por el mismo autor. Animador de profesión, Moynihan tiene esa rara característica que le permite tener un tino perfecto a la hora de retratar la copulación entre una cavernícola y un extraterrestre andrógino. No tengo la más mínima idea de cómo sería ese acto, pero gracias a Moynihan ahora sé qué colores tendría. ¿Mencioné que los personajes hablan en tono urbano, insultándose con jergas y dedos del medio? Forming es ciertamente un comic que examina de manera única y energética los conceptos de la fe, la religión y nuestra propia existencia. De lectura obligatoria.

NOTA: ¿La buena noticia? Todo está online.

2 – Love and rockets New Stories vol 4 (Jaime y Gilbert Hernandez)


Los que me conocen saben que no soy una persona que llora fácilmente con libros o películas. Me emocionan, por supuesto, pero muy rara vez me sacan lágrimas. No obstante, les soy completamente honesto cuando les digo que las últimas 10 páginas de The Love Bunglars me dejaron ahogado en lágrimas. Y es que… esto es damas y caballeros. Luego de más de 25 años, Jaime Hernández le ha puesto punto final al viaje emocional de Maggie Chascarrillo – uno de los personajes femeninos más reales que existe en el mundo de los comics –.

Lo que tenemos frente a nosotros es a dos maestros del medio dando una clase magistral en 50 páginas. Los segmentos de Glbert son geniales como de costumbre, pero lamentablemente palidecen ante la fuerza de la historia de Jaime quien deja claro que sus personajes hace tiempo se escaparon de sus manos para correr libremente por las páginas del libro. Jaime es su simple marioneta y prueba de esto es el grado de madurez  y debilidad que ejercen en sus acciones. Personas como Ray Dominguez o Maggie respiran nuestro aire y se sienten tan o más auténticos que cualquiera de nosotros. Al igual que en la vida misma, ellos han tenido la libertad de crecer, cometer errores y madurar. Tomemos por ejemplo el grado de control gráfico que Jaime ejerce sobre determinados detalles como ver a Ángel ponerse los tacos mientras se balancea de pie o la forma en la que Ray se soba la barba mientras ve sus propios cuadros sin saber qué tan buenos son. Jaime usa la menor cantidad de líneas posibles, pero cada una está ahí por un motivo. Ni una está de más. El último en alcanzar este grado de perfección fue Alex Toth. Hoy en día es muy probable que Jaime lo haya sobrepasado.

Conscientemente no estoy tratando de no dar mucha información al respecto sobre la historia y es que en verdad no quiero arruinársela a nadie. Tan solo digamos que en este comic vamos a descubrir si Maggie tiene el final feliz que tanto ha añorado en toda su vida o si al final todo se cae en pedazos. Hay una secuencia en especial que funciona en forma de espejo y que refleja en la izquierda el pasado de una persona y en la derecha el pasado de otra. Cada panel simétrico a su opuesto en la otra página y cada uno representando lo que cada uno ve en la misma situación – es decir, a ellos mismos -. Es exquisito y sublime y cualquier otro adjetivo que quieran añadirle. Estoy al tanto que sueno como una fan enamorada, pero cuando lo lean, me darán la razón. Ah! Y el final, ese maldito final… entre nos, es tan pero tan triste… y a la vez tan pero tan satisfactorio…

1 – Paying for it (Chester Brown)


De arranque debo admitir que este es el trabajo más honesto que he leído en mucho tiempo. La apología de Chester Brown sobre la antigua profesión de la prostitución no es solo un recuento gráfico y detallado de sus experiencias con diversas escorts. Es además una discusión sumamente investigada sobre cómo el mundo moderno percibe este oficio bajo una luz negativa sin ningún sustento racional que lo respalde. Brown, además de ser un hombre que disfruta tener un sexo con prostitutas, es un hombre que cree con determinada vehemencia que tal actividad debería de ser descriminalizada – que ojo, no es lo mismo que decir regularizada -, llegando incluso al punto de argumentar que una relación entre una prostituta y su cliente no tiene nada que envidarle a una romántica entre dos personas monógamas. Una posición altamente arriesgada, que no quepa la menor duda.

No obstante, uno no puede evitar pensar en Brown como un hombre derrotado por la vida misma. Sé que es una palabra fuerte, pero aguántenme por un segundo. Tenemos frente a nosotros a un hombre que confiesa en diversos momentos que no desea pasar por la faena de tener una relación amorosa. Nos dice que prefiere no entregarse para no ser eventualmente destrozado emocionalmente. O en sus propias palabras, “las personas necesitan estar en relaciones románticas por un tema de inseguridad. Necesitan alguien que confirme que son capaces de ser amadas. El tipo que tiene dignidad es el tipo que no necesita estar en una relación romántica.” Nótese que es una racionalización sumamente lógica. Y quizás es este mismo el problema de Brown. Es un hombre que en casi 300 páginas racionaliza el proceso del amor desde todo ángulo intelectual. Pero que en ningún momento admite que a veces el amor es una cosa estúpida que funciona porque sí y punto.

Y es precisamente este motivo por el cual me fascina el comic. Chester Brown es un artista que se entrega por completo a su punto de vista y que no desiste en mostrarse desnudo (tanto literal como en sentido figurado). El sexo es divertido, pero en este caso, mejor es la disección del acto. Y es que a decir verdad, resulta irónico que en un comic que narra diversos encuentros sexuales, las partes más emocionantes son las conversaciones que sostiene el autor con amigos y consigo mismo.

jueves, 26 de enero de 2012

Confidencias de un Senderista

Recién me tomo el tiempo para leerlo. Recontra fuerte.

Al parecer este comic fue el primero que tocó el tema de terrorismo en el Perú. Fue publicado en Perú en 1982 con guión y dibujo de Luis Baldoseda.

Historietas Peruanas informa que fue editada por el Ministerio de Guerra de entonces. Como dicen "ya anteriormente el maestro Luis Baldoseda había hecho con ellos su conocida obra MIGUEL GRAU, reeditada varias veces por el Centro Naval del Perú. También con el apoyo del ejercito peruano se publicaron obras como "La Batalla Tarapacá", "Francisco Bolognesi", "José Quiñones", "Expulsar al Invasor", En estas otras historietas intervinieron otros historietistas como Luis Sayán, Jorge Monterrey, Victor Martinez Quintana, etc."

Pueden leerla toda acá o acá.


miércoles, 25 de enero de 2012

Exit wounds de Rutu Modan - Reseña

(Exit wounds, Montreal, Drawn & Quarterly, 2007, 172 pp.)

Obra ganadora del Premio Eisner a Mejor Nueva Novela Gráfica en el año 2008 y categoría “Esenciales” en el Festival de Angouleme en el mismo año.

Por Raschid Rabi

Durante el taller de guiones dado en nuestro país por el recientemente fallecido Carlos Trillo (*) , mencionó la obra de la israelí Rutu Modan (1966), como una variante inteligente de las tramas de aventura en las historietas. El protagonista, Koby Franco, un taxista ocasional es llamado de manera especial para realizar un servicio en un puesto militar en Tel Aviv. Allí Numi, una larguirucha soldado, le informa que la última víctima aún sin ser identificada de un reciente atentado suicida probablemente sea su padre. A partir de este punto, se desata la “aventura”: la búsqueda del padre o de sus restos. Koby descubrirá, más bien, que Numi mantuvo una relación afectiva con su padre. Ahora bien, esta “verdad” aleja y acerca a los dos a lo largo del relato, ya que el protagonista ha tenido una relación tensa con un padre poco dedicado.

“Exit Wounds” está ambientada en el Tel Aviv actual en medio de atentados suicidas y una comunidad de personas que intenta salir adelante a pesar de esta situación. No es un relato con un tono social o crítico, ni siquiera se destaca la situación política. Esto lo destacó Trillo al hablarnos de este trabajo. Más bien, el contexto es un pretexto para una historieta que examina las relaciones entre las personas y los sentimientos entre sí y hacia ellos mismos.

El trazo de Modan es uniforme y austero y, más bien, el equilibrio entre esa línea y los colores planos, pero de tonos suaves distiende la relación entre los personajes y lo narrado. La tensión producto de la búsqueda central del relato en la transición o dilema de ser persona desaparecida o cadáver ya sea en el padre o amante se equilibra con esta línea casi naif y los colores producto, tal vez, de la experiencia en relatos infantiles de la autora.

A esto, se añaden diálogos muy simples e inteligentes que refuerzan un sentido de cotidianidad y cierto tono lacónico del relato (los textos solo ocupan tímidamente la parte central de los globos) que refuerza los sentimientos contenidos e inexpresados entre los personajes. En ese sentido, una de las mejores secuencias que sintetiza lo señalado ocurre en la playa después de la avería del carro entre los personajes principales: familiaridad y extrañeza ante los propios sentimientos se perciben durante esta secuencia.


En esta obra, la búsqueda del padre representa el clásico anhelo por la propia identidad a través de las similitudes o diferencias respecto a la figura paterna. Pero la variante y aporte de Modan es a través de la figura femenina no materna que completa e integra (o desintegra) una imagen ya no tan familiar de nuestro padre. Finalmente, lo central es la exploración de nuestros sentimientos y el pretexto es la búsqueda. Tal vez, en ese sentido, el maestro Trillo destacó esta variante de la trama de aventura en estas “heridas de salida” aún por cerrar del trabajo de Modan.

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(*) El taller se titulaba “¿Cómo hacer un buen guión de historietas?” y se desarrolló en la 13° Feria Internacional del Libro en los días 27 y 28 de Julio del 2008. La visita de Trillo y Juan Sasturain se logró por las gestiones de Benjamín Corzo, responsable de la librería/editorial “Contracultura”, y la Cámara Peruana del libro.

martes, 24 de enero de 2012

El nuevo logo de DC

Hola gente, ¿Qué les parece el nuevo logo de DC?, ¿les gusta o les disgusta? , pero yo para serles sincero, me quedo 100% con el logo anterior, ya que, me parece que hacerlo en este momento es innecesario, aunque gente comiquera, si han estado pensando en una buena razón para este cambio, la web de "Gutters" tiene una interesante teoría:


Sin más que comentarles me despido y espero tengan un excelente día.

lunes, 23 de enero de 2012

Un poco de nostalgia para los nacidos en los 90.

Hola! Feliz año! Tiempo sin escribir! Estaba en 9gag, donde uno va para no sentirse TAN viejo, y vi un post que hablaba de Forever Red, un capítulo de.. sigh... los Power Rangers. Mi hermano, 10 años menor que yo, me lo contó hace un tiempo "todos se juntan, es chévere". No es muchacho más elocuente. Pero hoy vi la imagen en 9gag y me metí a investigar. Es un crossover, pero me imagino a los tipos que lo escribieron para conmemorar el décimo año de la serie. Deben haberse sentido como Geoff Johns escribiendo Infinite Crisis. Así de nerds




Leyendo en internet me enteré que era el capítulo favorito de los Ranger-nerds (no sabía que existían pero why not?). Aquí está un post del Morphicon en 2007 (Morphicon... jajaja es que me imagino que así debo sonar cuando hablo del Comic-Con) en el que todo el cast habla del capítulo:


sábado, 21 de enero de 2012

Los Nuevos 52 de DC: Algunos recomendados


En setiembre DC hizo una jugada comercial arriesgada, reseteo su universo y las historias de sus personajes empezaron nuevamente, juntando además personajes de otras editoriales subsidiarias como Vertigo. Mucho se ha dicho al respecto, pero lo que no se puede negar es que esta estrategia dio buenos frutos en el tema de ventas. En mi caso, ahora me veo adquiriendo mensualmente series que nunca antes había comprado con regularidad, y sobre ellas quisiera hacer una lista, mi lista por supuesto, de las mejores. Aquí vamos.

1. Batman: Guionizada por Scott Snyder y dibujada por Greg Capullo. Ya con el número cinco recien salido, este primer arco argumental (aun sin concluir) nos presenta a un nuevo enemigo, que al parecer es una organización secreta denominada la "La Corte de los Buhos", quienes llevan al murciélago a los límites de sus habilidades, demostrando en muchos momentos estar un paso por delante. La trama está muy bien lograda, mezclando suspenso y acción, mostrando ampliamente el lado detectivesco del personaje, como no se veia hace mucho.

2. Action Comics: Creo que en más de una oportunidad he expresado mi poco gusto hacia las historias de Superman, sin embargo, esta nueva serie escrita por Grant Morrison y con Rag Morales en el apartado artístico, es una de mis favoritas en el reboot de DC, obviamente el hecho de que Morrison teja este nuevo génesis del personaje hace que este comic sea imperdible. En los nuevos numeros de Action Comics vemos a un Superman temido y perseguido, siempre con Lex Luthor como su enemigo número uno, pero también nos muestran partes de la vida de sus padres en Krypton. Ojo con la nueva actitud de Superman, y creo que es lo que más me gusta, ya no es el tipo bonachón, ahora sabe castigar a sus oponentes, no es tan cándido como siempre fue e inclusive algo de soberbia hay en él.

3. Frankenstein Agent of S.H.A.D.E.: A este personaje lo empecé a seguir desde Flashpoint (evento en el que el tie-in de este personaje fue uno de los mejores), serie que, como ahora, también era escrita por Jeff Lemire. La trama es muy al estilo de una serie B, y como es de esperarse, siendo un monstruo, sus aventuras están repletas de estos como enemigos, Lemire quien en muchos de sus trabajos ha demostrado ese gusto por la vertiente más freak del terror, nos regala un guión con altas dósis de acción y la cantidad justa de intriga para mantenernos pegados. Ponticelli, en el apartado gráfico, demuestra una gran capacidad para plasmar monstruosidades en papel y lápiz.

4. Animal Man: Serie escrita, también, por Jeff Lemire, y si, también tiene algunas dósis de terror. Es una de las series más atípicas en este relanzamiento y, en eso, hace honor al personaje del que viene. A pesar de que Buddy Baker no ha podido ser el mismo desde que Grant Morrison dejó la serie, Lemire anunció su intención de no abandonar lo planteado por el Morrison y viene cumpliendo con lo prometido. Lo interesante es que en algunos pasajes de esta serie, Buddy es despojado del protagonismo por su propia hija, quien tiene poderes algo parecidos a los de su padre, solo que un poco retorcidos...si quieren saber más leánla.

Y así, estos son mis cuatro recomendados. Le diría que lean Justice League, pero no me animo del todo, es una versión muy fresca y juvenil y los cuatro primero número muestran como cada uno de los integrantes se va sumando a esta equipo de superhéroes, es muy entretenida, denle una ojeada, pero si no les gusta no digan que acá se las recomendamos.

Y finalmente, algunas series que no he leido pero que he escuchado tienen sus cositas: I, vampire, Batwoman, Men of War y Batman y Robin.

viernes, 20 de enero de 2012

Star Wars vs Star Wars

¿Irás a ver Episodio I?

Creo que esa es la pregunta que más he realizado en las últimas semanas, y es que el re-estreno de las películas de las “Guerras de las Galaxias” no es algo que necesariamente se tome a la ligera. Y aunque no me atrae la idea de sentarme más de una hora de repetidos “¡Misa Jar Jar Binks!” (Esta vez con el Gungan acercándose a tu rostro mientras da su sonrisa chueca) he decidido ir al cine, aun si es tan solo para ver las letras amarillas y el duelo final.

En fin, el post de Gianco sobre Lost me hizo recordar que en la misma conversación se trato el tema de Star Wars, en un pequeño debate sobre los meritos de las precuelas y que tan diferentes son respecto en calidad a la trilogía original. Siendo este mi primer aporte al blog, no quiero aburrirlos con un recuento de aquella conversación, sino mas bien los dejo con un video que ejemplifica bien como pasamos aproximadamente 20 minutos de nuestras vidas:


¡Saludos!

jueves, 19 de enero de 2012

Algo chiquito sobre LOST

Nops, no hay ningún comentario. Solo quería decir que me junté con unos amigos ayer y estuvimos hablando de LOST.

Y llegué a la conclusión que, sí.... se extraña harto esa serie.


Y no, Fringe no llena ese vacío. Mucho menos The Walking Dead. Cosas como Flashforward fueron fiascos monumentales. Hmmm... puede que Doctor Who sí, pero el problema es que nadie ve esa serie.

Lo que se extraña, creo yo, es ese feeling de comunidad que se generaba en torno a la serie. No bastaba con verla. Teníamos que conversar con otras personas sobre lo que había pasado en el último capítulos. Teníamos que obsesionarnos con las teorías. Teníamos que caer antipáticos a la gente que no veía la serie cuando en la calle veíamos los números.

Series como Breaking Bad son superlativas y funcionan en planos totalmente distintos. Son brillantes y de lejos mejores que LOST (meto a Mad Men en esta categoría). Pero no... no son LOST. Les falta ese componente químico que tenía la isla y los misterios que nunca fueron resueltos.

En fin, un salud por LOST.

NOTA: Hay una serie que se llama Once Upon a Time y que según tengo entendido es una copia del comic Fables. No la he visto pero tengo entendido que en esa serie, los personajes toman whisky MacCutcheon, comen barras de chocolate Apollo y tienen posters de Geronimo Jackson. Está claro que la obsesión nunca morirá.
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viernes, 13 de enero de 2012

Los mejores comics del 2011 - Puestos 14 a 8

Así es mis estimados. La lista con los mejores comics del 2011 según su servidor. No quiero hacer una introducción muy larga, así que solo diré lo siguiente. Es una lista personal y como tal, es inútil en su propósito. Vuelvan a preguntarme en dos años y lo más probable es que les mencione un orden completamente distinto e incluso otros títulos. Pero por el momento y al día de hoy, estos son los que considero como lo mejor del año pasado. Se que también tienen sus favoritos personales así que siéntanse completamente libres de mencionarlos en los comentarios.

Y si, esta es la primera parte. La segunda parte con los puestos 7 a 1 sale la semana que viene.

14 – Batman Inc. (Grant Morrison)


Hacer un comic de superhéroes es difícil. Hacer uno bueno es arduo y complicado – saber manejar clichés es toda una faena –. Pero hacer uno sobresaliente, les soy honesto, es casi imposible. Grant Morrison ha encontrado luego de décadas de experiencia el balance adecuado entre sus locuras herméticas y la sacarina mainstream. Y es que Batman Inc. destaca por una razón demasiado sencilla y demasiado obvia a la vez: es una historia de Batman libre de Batman.

No es la primera vez que se intenta algo similar (Azrael salta inmediatamente a la mente), pero Batman Inc. destaca por el mero hecho de aplicar el sabor del silver age a distintos géneros y ambientes – algo bueno ya que la pobre ciudad Gótica se sentía un poco gastada-. Tenemos así un número situado en los edificios de Tokio, con una Gatúbela luchando contra un pulpo gigante. Otro en las pampas argentinas con una versión sudamericana del murciélago. Otro en un mundo virtual con un Batman estilo TRON gritando “¡Grandes problemas en la internet 3.0!”.

En pocas palabras, este es Morrison divirtiéndose con Batman sin tomarse mucho en serio. No es un Allstar Superman (entre nos, ¿Qué cosa podría serlo?) pero es una lectura altamente gratificante. Y si bien Batman está presente en todas las historias, el enfoque narrativo no yace siempre sobre su cabeza. Un grato respiro, que no quepa duda.

13 – Prison Pit vol 3 (Johnny Ryan)


Si no han leído nunca un volumen de Prison Pit, aléjense. Aún tienen tiempo. Sálvense mientras puedan. La serie de Johnny Ryan es una de las más viles que encontrarán en los stands de comics. Cada número tiene escenas de violencia altamente gráficas en la que el protagonista, un luchador con la cabeza siempre cubierta de sangre, extirpa los órganos de sus contrincantes deformes para usarlos como armas mortales (ni que decir de lo que hace con sus evacuaciones fecales).

No obstante, si le dan una chance – y si tienen un estómago lo suficientemente fuerte – descubrirán una de las series más experimentales de los últimos años. Y es que Prison Pit no es solo una serie de violencia gratuita. Es una historia sobre un desgraciado atrapado en un circuito cerrado en la que la monotonía no está representada por la displicencia del mundo moderno, pero por altercados sangrientos. Y en un mundo en el que el 99.9% de los niños viven enfrascados en videojuegos en los que matan a personas a diestra y siniestra, el comic termina convirtiéndose en un paralelismo interesante.

Ahora… admito que puedo estar arriesgando mucho al tratar de encontrar un significado profundo en un comic de Johnny Ryan; pero honestamente creo que los personajes no son simples monstruos repugnantes porque sí y punto. Los habitantes de Prison Pit gozan de esa suciedad específica que solo puedes encontrar en los cuadernos de colegio de algún niño aburrido, de aquellos que dibujaban asquerosidades en sus cuadernos porque era lo único que podían hacer para encontrar placer en ese momento. No es bonito, no lo niego. Pero es real.

12 – The Hidden (Richard Sala)


Richard Sala es un dibujante de comics especial. Su estilo tiene más en común con artistas de libros infantiles como Quentin Blake o Axel Scheffler y sin embargo, el hombre ha decidido hacer comics sobre novelistas desempleados y circos asesinos. En The Hidden, Sala narra la historia de un grupo de sobrevivientes en un mundo post-apocalíptico. Un doctor frankensteniano con un caso de amnesia ha desatado el fin del mundo y los pocos que quedan deben enfrentarse a trances caníbales y orgías de la alta sociedad con un toque de frenesí demoníaco.

Lo simpático del libro es lo poco que nos cuenta sobre lo que ocurre en el mundo con altas dosis de humor casual. Sala nos lanza de frente a la acción y en uno de los mejores in media res que he visto en un comic, presenciamos un sueño atrapado dentro de un sueño, encadenado a otro sueño. Al final, la pregunta queda suelta al aire: ¿Será todo un sueño más? Es posible, todo el libro tiene una sensación media etérea, de esas que nos recuerdan cosas que no sabemos si las hemos experimentado en el pasado o no.

Y antes que me olvide, algo debe decirse sobre el manejo de color de Richard Sala – uno de los mejores coloristas que hay hoy en día –. La armonía que alcanza es envidiable. Como todo maestro, usa una paleta limitada y enfocada a la tensión correspondiente de cada situación. Busquen páginas online y se darán cuenta que ningún color está de más.

Hmmm… ahora que lo pienso, olvídense lo que dije de ilustradores infantiles. Richard Sala tiene una vena artística altamente sincronizada con la de Charles Addams (RIP). Y entre nos, eso es algo sumamente favorable.

11 – The great northern brotherhood of Canadian cartoonists (Seth)


Ah… Seth… ¿Qué sería del mundo de los comics sin ti? En The great northern brotherhood of Canadian cartoonists (o The GNB Double C para los amigos), el autor de It’s a good life if you don’t weaken hace algo similar a Hicksville y crea un mundo de fantasía en el que los autores de comics son personas venidas a peores épocas, un lugar en el que los creadores de personajes como Teodosio o Sampietri fueron grandes luminarias al nivel de Alfred Hitchcock en el pasado pero que ahora lo único que guardan son los recuerdos de tiempos mejores.

The GNB Double C es ciertamente un trabajo equidistante a lo que nos tiene acostumbrados Seth, en especial a Wimbledon Green (que dicho sea de paso comparte el mimo universo con este comic). Tenemos al fin y al cabo elementos como la apreciación del comic como objeto de arte y la nostalgia como detonador de emociones en torno a artefactos de la cultura popular. Sin embargo, hay una gran diferencia entre este libro y el resto de la bibliografía de Seth: este comic carece de una historia propiamente dicha.

Me explico: Lo que Seth ha hecho es dejar de lado el aspecto narrativo y más bien desarrollar una plataforma para expresar sus comentarios en torno al comic. Usa una librería de fantasía y a personajes que nunca existieron para hablar de cómo los comics han llegado a convertirse en piezas de colección y cómo esto a su vez nos lleva quizás a sobrevalorar la mediocridad de ciertas piezas –una crítica que por momentos parece dirigida a él mismo –. Rob Clough en su análisis habla del conflicto entre el factor nostalgia y el factor crítica y tiene razón en hacerlo. A veces nuestro propio amor por el medio nos ciega a tales distinciones. No obstante Seth está al tanto de esto y propone una solución desgarradora pero honesta: arrancarnos el parche de los ojos y ver las cosas cómo en realidad son.

10 – Hark! A Vagrant (Kate Beaton)


Kate Beaton es un espécimen sumamente raro – y no, no me refiero a que sea una mujer haciendo comics –. Beaton es una bachiller de historia y antropología que cuando se graduó, decidió dejar su carrera de lado para dedicarse a hacer tiras cómicas. Una decisión sumamente riesgosa, que no quepa duda. ¿El resultado? Hark! A Vagrant, uno de los web comics más populares de los últimos años que acaba de ser compilado en formato impreso por Drawn & Quarterly. Lo que tenemos frente a nosotros es una tira cómica que se burla de figuras históricas como Napoleón o Einstein sin caer nunca al terreno de lo chabacano.

Lo espectacular es lo históricamente específica que Beaton es con sus chistes. ¿Creían que Liniers es audaz por hacer tiras cómicas sobre Picasso y cómo nadie lo conocía antes de ser famoso? Olvídense. Hark! A Vagrant tiene chistes sobre la actitud feminista frente a los velocípedos en el siglo XIX, a Charles Darwin coleccionando animales como si fuesen Pokemones en las islas Galápagos y a Juan Pablo II en un estado zen absoluto en la plaza de San Pedro el 13 de mayo de 1981 (pista: es el día en que le disparan).

Al igual que Frasier, Kate Beaton desarrolla ese tipo de bromas que nos hacen sentir un poco más inteligentes luego de haberlas experimentado. Ya sean chistes sobre la relación entre Nerón y Agripinila o los crímines de Burke y Hare, el libro triunfa siempre en enseñarnos algo nuevo. Y no solo eso. Beaton es haaarto chistosa (las interpretaciones libres de las portadas antiguas de Nancy Drew son de lo mejor).

Como comentario aparte, me encanta el hecho que la autora haya apostado por un público que cualquier otra persona hubiese dado por inexistente: personas educadas que aman la historia, la literatura y que encima, leen comics. Como dice Kevin Costner, “si lo construyes, ellos vendrán.” Y es cierto. No por nada el libro se ha convertido en un best seller. Si nunca han gozado de la fuerza de Hark! A Vagrant, no saben lo que se están perdiendo. Pueden leer la versión online aquí.

9 – Empate: Mickey Mouse Trapped in Treasure Island (Gottfredson) y Donald Duck Lost in the Andes (Barks)

(Donald Duck de Carl Barks)

Genial año para los amantes de Disney clásico. Los dos artistas más versátiles y originales que pisaron la casa del ratón regresaron con nuevos archivos de lujo que recopilan todo su material antiguo. De más está decir que ya era hora de recuperar estos comics clásicos que el tiempo había olvidado. Y es que a pesar que miles de personas en el mundo están al tanto de la fuerza de los lápices de Barks y Gottfredson, hasta hace un par de años era imposible encontrar sus trabajos en alta calidad y a precios accesibles. Felizmente Fantagraphics vino al rescate y ahora tenemos lo que viene a ser los comienzos de una colección completa de ambos artistas.

En primer lugar tenemos a Carl Barks y “Lost in the Andes”. Pero antes de hablar de sus virtudes, tengo una pregunta: ¿Tenemos idea de lo que representa el trabajo de este genio? Barks no solo ayudó a dimensionar el mundo del pato Donald y a comunicar emociones auténticas a seres antropomórficos. El hombre además era un virtuoso en la composición de paneles. Al igual que Jack Kirby, todos los elementos en los comics de Barks estaban siempre en movimiento y siempre en armonía. Constantemente había algo ocurriendo, todo con un ritmo impecable. La próxima vez que vean un libro suyo, deténganse y vean bien lo que está pasando y cómo está dibujado. Lo peor es lo fácil que Barks lo hace parecer. Y no solo eso, piensen también en esto: Son comics de hace más de 60 años que no se sienten viejos para nada. ¿Cuántos pueden decir lo mismo?

(Mickey Mouse de Floyd Gottfredson)

Y en segundo lugar tenemos a alguien diametralmente opuesto en intención a Barks e igual de brillante: Floyd Gottfredson. ¿Quieren saber por qué la mayoría de personas nunca ha leído un comic suyo de Mickey Mouse? Por el simple y sencillo hecho que estos fueron creados antes que Mickey se convirtiese en una mascota corporativa. La personalidad del ratón en estas tiras es completamente distinta a la que vemos hoy en día. En estos comics, Mickey es un valentón que se revuelca en el suelo y que no le importa ensuciarse las manos en peleas. Es un ratón con sentimientos verdaderos: se molesta, llora, comete errores, se preocupa y agoniza por ellos. Cien veces más auténtico que lo que tenemos ahora.

Y a diferencia de Barks, la verdadera magia de Gottfredson recae en el hecho que no tiene miedo de admitir que estas historias se tratan al fin y al cabo de animales. Tenemos así a personajes que corren en cuatro patas, que botan humo por sus narices y que clavan sus cuernos en la tierra cuando se molestan. Tanto Gottfredson como Barks pavimentaron la carretera del comic moderno. Lo único que tienen que hacer es ver estos libros para saber por qué.

8 – Daybreak (Brian Ralph)


Puede que me equivoque, pero creo que nunca he leído una novela gráfica de más de 150 páginas, narrada toda en segunda persona. Al igual que en The Hidden lo que tenemos aquí es una historia situada en un mundo post-apocalíptico. Y al igual que en The Hidden, esto es lo que menos importa en la historia. Y es que Brian Ralph al igual que Richard Sala ha llegado a la conclusión que lo divertido de estas historias son todas las puertas que se nos abren para sobredimensionar sentimientos humanos. Una amistad en una historia es solo eso, una amistad. Pero en un mundo desolado, carente de personas e infestado por zombies, una amistad se vuelve todo, nuestra conexión con el mundo, la naturaleza y a su vez, con nosotros mismos.

La decisión de narrar todo en segunda persona es un plus. Ralph usa varios trucos simpáticos para ubicarnos en medio de la historia – interactuamos con los personajes, miramos las cosas que nos piden que miremos, movemos objetos con las manos, etc. No obstante, el comic brilla cuando nos damos cuenta que lo que muestran los paneles son nuestros propios ojos. Nosotros somos los que estamos ahí. La persona que está frente a nosotros no es un personaje. Es nuestro único amigo en el mundo y el hecho que no podamos responder ayudar a crear un vacío emocional que bordea en lo desolador.

Debo admitir que Ralph sale triunfante, construyendo una narrativa lógica y consecuente. No se deja llevar por clichés típicos del uso de la segunda persona como las sorpresas repentinas o los oscuros tétricos. En cambio, sabe que a veces mirar un panorama y enfocarnos en los detalles simples, hace toda la diferencia. Al final, me topé con un pensamiento que nunca se me había ocurrido. ¿Saben qué es lo peor de vivir en un mundo post apocalíptico? No son los zombies. Ni el miedo. Tampoco el hecho que puedas morir de cualquier cosa. Lo peor es levantarte un día completamente solo, invadido por una tristeza absoluta y saber en el fondo que esa congoja que tienes atorada en el corazón, estará contigo hasta el último de tus días.

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Espero les haya gustado la lista y que hayan encontrado algunos comics nuevos ¡Seguimos la semana que viene con los puestos 7 a 1!
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Wes Anderson está de vuelta con Moonrise Kingdom

Y ya era hora. Ya se hacían extrañar los paralelismos a Charlie Brown, los vestuarios de 1970 en épocas modernas, las canciones de The Kinks, la tipografía FUTURA y los finales en cámara lenta.

Si bien todas sus películas me encantan, ni una ha llegado al pináculo de The Royal Tenenbaums (aunque The Fantastic Mr Fox fue muy, muy buena). Veremos qué ocurre con Moonrise Kingdom.

jueves, 12 de enero de 2012

Alan Moore y los manifestantes de V for Vendetta

¿Han visto que gente en todo el mundo usa las máscaras de Guy Fawkes que Alan Moore popularizó en V for Vendetta para sus protestas y manifestaciones?

Pues Alan Moore está totalmente extasiado con que usen elementos de su creación. El video de abajo muestra al barbudo de Northampton caminando por la ciudad y hablando con los mismos manifestantes ocultos bajo sus máscaras.

Den click y véanlo. La mejor parte es la del tío caminando por un cementerio.

Taller de historieta a cargo de Amadeo Gonzáles

¡Y continúan los talleres de comics! Este a cargo de Amadeo Gonzáles (Carboncito) apunta a la creación de comics/personajes y a la publicación de los mismos. He escuchado muy buenas cosas sobre sus talleres y en especial sobre su trabajo con gente joven. Y este en particular se ve harto interesante. Así que ya saben. Apúntense que empieza la próxima semana.

Los dejo con la nota de prensa.

▲ ▲ Taller de historieta, creación de personajes y publicaciones independientes ▲ ▲
x AMADEO GONZALES.

www.amadeogonzales.blogspot.com


Ilustrador, diseñador gráfico, historietista, músico autodidacta. Creador junto con su hermano Renso Gonzales de la revista de historieta “Carboncito” desde el 2001, ha realizado otras publicaciones como Pobre Comic, Pastel Comic y su reciente publicación Horrible y divertido. Ha trabajado como profesor de historieta en colegios y a realizado diferentes talleres en universidades e institutos de diseño.

Utiliza en sus trabajos la ilustración a mano alzada, vectorial, a tinta china y serigrafía. Ha realizado diferentes exposiciones individuales en Lima, Cusco y en Argentina, en las ciudades de Buenos Aires y Rosario. También ha participado de varias muestras colectivas. El 2011 grabó su primer disco “mostros, marcianos y rocanrol” junto con una exposición de sus trabajos en serigrafía. Actualmente dicta el taller de historieta en el espacio Los únicos.

ENERO - FEBRERO: 17 | 19 | 24 | 26 | 31 | 2 | 7 | 9 | 14 | 16

Ubicación: Calle Ramón Ribeyro 1057, Limite entre Barranco y Miraflores.
Duración: 5 semanas.
Días: Martes y jueves del 17 de enero al 16 de febrero de 10 a 12 m. o de 5 a 7 pm.
Valor: 300 soles (incluye materiales). El pago se realizara el primer dia de clases. Solo efectivo.

Mayores de 10 años. Contaremos con historietistas y artistas gráficos invitados. Mesa de lectura con publicaciones nacionales e internacionales, revistas libros y fanzines.

Te esperamos!



martes, 10 de enero de 2012

¡El MOKO vuelve al ataque!

Moko, el fanzine comiquero de David Galliquio, Renso Gonzáles y Martín Silva regresa en su quinto número virtual con historias de desilusión, amor putrefacto y dilemas existenciales. Lo acabo de terminar de leer y es realmente bueno. Galliquio en especial sorprende (¿vale decir 'sorprende' cuando saca constantemente trabajos sobresalientes?) con una historia sobre la muerte accidental de una mascota y cómo eventos como este nos pueden llevar a un 'holocausto demencial' (sus palabras, no las mías.

Denle una chequeada. Lo único que tienen que hacer es clickear aquí.


Cabe notar que el fanzine virtual - próximo a salir en formato impreso - cuenta con la participación de Joanna Zombie, Pierre Castro y Samuel Gutierrez. Así que ya saben. A limpiarse las narices, se dijo.


lunes, 9 de enero de 2012

Seminarios de Comic para este verano

Si, ya se lo que están pensando: "Oh no! Es verano y no tenemos nada interesante que hacer. Waaaahhh!" Es lo normal, no se preocupen. A todos nos ha pasado.

La buena noticia es que Corriente Alterna tiene listo dos talleres sumamente interesantes.

El primero es un Seminario de Comic Alternativo a cargo de Jesús Cossío (RUPAY, BARBARIE) en el que se hablará de teoría y aplicación del comic documental y autobiográfico. Las clases arrancan este 17 de enero.


El segundo es un Seminario de Ilustración Experimental a cargo de Rodrigo La Hoz (ISLAS) en el que discutirán distintas técnicas y enfoques a la materia. Las clases arrancan este 16 de enero.

Todos los interesados pueden llamar al 242-8482 o al 715-5586.
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Un comic para tomar en cuenta: Li'l Depressed Boy

Por cuestiones de trabajo , no estoy escribiendo tanto como quisiera, pero, he aprovechado este fin de semana para ponerme al día con algunas lecturas que tenía pendiente, entre las que se encuentra: Li'l Depressed Boy o LDB (como es llamado por sus amigos).

Primera Portada de LDO

Pero ¿Quién es LDB? , es la creación de Steven Stuble, aunque Li'l Depressed Boy es mucho más que eso , LDB es el reflejo del adolescente común , al cual le gusta la música, leer historietas, pasear con sus amigos, ver televisión, jugar videojuegos, en definitiva es alguien que se divierte, pero también ,es una persona que se deprime ,que tiene cambios de humor continuos ,es sin lugar a dudas un típico adolescente ,y es por ese plus, que uno al leer este comic , se puede sentir plenamente identificado con LDB y su entorno .

LDO escuchando música

No obstante, debo mencionar el aporte fundamental que le entregan los diseños del artista Sina Grace, para que la historia se desarrolle de tal forma en cada viñeta, que el lector queda inmerso en la lectura de la historieta.

Una muestra del trabajo de Sina Grace

Sin más que decirles, me despido y los invito a leer esta historieta de "Image comics" que es diferente al género de superhéroes , pero a su vez , es mucho más entretenido , no se dejen influenciar por la palabra “Depressed” , ya que , la historia es muy divertida por parte , saludos y hasta otra oportunidad.

martes, 3 de enero de 2012

Aprendiendo nuevas cosas con Lego

Hola amigos, el día de hoy , quisiera compartir con ustedes, este curioso video que encontré navegando en la red, en el cual con un poco de habilidad, pintura y mucha delicadeza se puede realizar casi cualquier cosa:


Espero hayan disfrutado del video tanto como yo, saludos y que tengan un buen día.