Ciudadano POP Entrevista a Todd Klein

Uno de los componentes que menos personas notan a la hora de leer un comic es el letreado. Una pena la verdad. El letrear es un elemento importante del comic que consiste en diseñar los globos de diálogo, los efectos de sonido y hasta los logos que muchas veces vemos en las portadas de comics. En otras palabras, se trata de dar voz a los personajes dibujados. Sin embargo, muy pocas veces se alaba el trabajo de la persona a cargo. El letreado es un arte oculto, es cierto, pero uno que siempre es bueno recordar.

Uno de los artistas mundialmente conocidos en esta área es Todd Klein. Klein en caso se pregunten, es uno de los mejores que hay. El hombre ha trabajado directamente con personas como Frank Miller, Alan Moore, Neil Gaiman, Grant Morrison y Alex Ross. Ha ganado 14 premios Eisner (el Oscar de los comics) y ocho premios Harvey. Klein no solo dibuja globos y pone letras dentro. Le da una nueva perspectiva a todo, enfocándose en diseño y creando tonos de voz y acentos solo con dibujar globos de diálogo. ¿No me creen? Miren la siguiente imagen.

(Sandman creado por Neil Gaiman y Sam Kieth)

Esta es la voz de Sandman que todos conocemos. Esta es la forma mística en la que el personaje habla y si no fuera por Todd Klein, Morfeo solo hablaría en globos de diálogo blanco con letras en negro. Totalmente aburrido. Pero no solo eso. El hombre también ha creado varios de los logos más reconocidos en el mundo de los comics como el de Batman Año Uno, Tom Strong, Magneto y el Asombroso Hombre Araña.

Bueno, yendo directo al grano, hace unos días tuve la oportunidad de intercambiar correo con el mismo Klein sobre la importancia de su arte y su historia en la industria. Hablamos de Alan Moore, de Promethea y un poco de la historia de los comics. Sin más vuelta que darle al asunto, los dejo con Todd Klein. Y por favor, no se olviden de visitar su página web, Klein Letters, que dicho sea de paso, tiene unas clases maestras sobre diseños de logos.

(Klein, trabajando en los setentas)

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Ciudadano POP (CP): En el Perú, muchas personas están redescubriendo o descubriendo comics por la primera vez, y la verdad es que la mayoría no está consciente del rol de letrear una historia. De alguna forma, el encargado de letrear es el responsable de dar voz a estos personajes. ¿Qué nos puedes decir de tu responsabilidad en lo que se refiere al letreado?

Todd Klein (TK): Letrear comics involucra poner todas las palabras en la página de un comic, al igual que los globos y los bordes alrededor, cualquier signo, título, efectos de sonido y a veces, bordes de paneles. En los primeros días de las tiras cómicas en periódicos, el guión, el arte y el letreado era generalmente hecho por una sola persona, pero a medida que se volvieron exponencialmente populares, apareciendo más frecuentemente, los creadores de tiras cómicas empezaron a dividir porciones de su trabajo a diferentes personas, a lo mejor contratando escritores para ayudar en la historia, y uno o más asistentes para ayudar con el arte. Usualmente, al asistente se le encargaba la tarea del letreado.

(Muestra de Texto para Tom Strong. Nótese las diferencias en los globos de diálogo entre cada personaje. Pneuman es un robot. Los globos de Tom son más grandes y más en negrita que el resto, indicando una superioridad sobre el resto de personajes en el subconsciente del lector)

Para la década de los cuarenta, el volumen masivo de trabajo que demandaban los editores era tal que las personas empezaron a trabajar con un modelo en línea, dividiendo la creación aún más: escritor, dibujante, encargado de entintar, de letreado, colorista, con un número de personas asistiendo en estos trabajos. A finales de los cuarenta (tal vez antes), se volvió posible para muchos ganarse la vida solo letreando comics para artistas, estudios o compañías que no tenían el tiempo o el deseo de hacerlo ellos mismo. Esto es lo que he hecho durante la mayor parte de mi carrera, entre otras cosas, aunque ahora trabajo más que nada desde mi computadora con fuentes creadas a base de mi propia letra y mano.

CP: Tú tienes una larga trayectoria en comics. ¿De qué manera empezaste? ¿Sabías desde un inicio que querías trabajar en letreado y diseño?

TK: Yo entré en la industria en el verano de 1977, contratado como staff de producción por DC Comics. Mi trabajo consistía entonces en pegar textos de páginas juntos (como columnas de letras), poner logos, mostrar el letrado y fuentes de estilo en las portadas, y hacer correcciones de letreado y arte en algunas páginas. Muchos asistentes de producción que recibían una ganancia modesta solían hacer trabajos de freelance desde sus casas. Entres los que trabajaban conmigo, estaba el colorista Bob LeRose y Anthony Tollin, el escritor Bob Rozakis, Steve Mitchell que entintaba y John Workman que letreaba (los dibujantes hacían más dinero haciendo free lance tiempo completo que trabajando en el departamento de producción).

(página de muestra creada por Todd y usada en su portafolio que mostró a DC en los setentas)

Durante los siguientes meses trabajé en todas estas áreas, pero descubrí que letreado era lo que mejor hacía. John Workman me ayudó bastante al comienzo, enseñándome las herramientas y técnicas básicas. También estudié el trabajo de Gaspar Saladino, Workman, Ben Oda, John Costanza y otros maestros cuyas páginas pasaban por mi escritorio. También trabajé en letreado para Marvel junto a Tom Orzechowski, Jim Novak y Joe Rosen. Conseguí mi primer trabajo el otoño de 1977, letreando todo el primer número de Firestorm #1. Volviendo a mi trabajo, la verdad no creo que yo me hubiera contratado, pero DC me dio la oportunidad de aprender del trabajo, y gradualmente mejoré.

CP: Me imagino que el trabajo ha cambiado bastante desde que empezaste a trabajar en la industria, debido a las computadoras y la nueva tecnología. ¿Cómo ha afectado esto a tu trabajo? ¿Cuáles crees que con los pros y contras de letrear vía software?

TK: Cuando entré a la industria en 1977, todos los elementos en una página de comics, estaban hechos a mano. Hoy es posible realizar todo en computador, aunque la mayor parte del arte se hace primero a mano y es luego escaneado a la computadora. La evolución del arte mediante el uso de costos cada vez más bajos gracias a computadoras y laptops empezó en los ochentas con Apple, y tuvo un impacto en el letreado de comics poco después, aunque sus efectos se sintieron gradualmente. Al comienzo, el letreado era impreso y pegado sobre la página de un comic, pero después de unos años, a medida que el coloreo se volvió digital, también se empezaron a usar archivos digitales de letreado de maneras más efectivas al combinarlos directamente con archivos de arte, eliminando así la actividad física de pegarlos sobre la página.

(La Vida y Tiempos de Scrooge McDuck, escrito y dibujado por Don Rosa)

Cuando vi como ocurría esto en los noventas, me di cuenta que esto sería el futuro. Conocí a Richard Starkings y John Gaushell de Comicraft en San Diego en 1993, y en 1994 les pedí ayuda para crear mi propia fuente digital basada en mi puño y letra. Compré mi primera computadora Mac a finales de 1994 y empecé a darme cuenta cómo era que todo funcionaba. Creo que siempre le va a faltar algo a la técnica por computadora que solo puede ser capturado al hacerlo a mano: una frescura, una irregularidad, una variación que solo surge cuando lo haces en el momento. El letrado por computadora tiene sus límites pero cuando se hacer bien, puede resultar en un trabajo admirable, y también te ofrece muchos atajos técnicos.

CP: ¿Cómo es tu interacción con un escritor? Creo que alguien como Alan Moore debe ser muy específico en lo que se refiere como cierto diálogo debe ser representado. ¿Personas como él suelen dar instrucciones directas o sugerencias en letreo?

(Página de Promethea, creado por Alan Moore y J.H. Williams III)

TK: Los guiones de Alan Moore son conocidos por todos por ser extensos y sumamente detallados, pero ¿De qué están compuestos estos detalles? Mucha descripción, claro, pero más que eso, Alan trae a todo aquel que lee sus guiones a su propio mundo personal y a su visión de la historia, no solo a describir cada detalle que se le pueda ocurrir, pero también alcanzando al lector, invitándote a que te le unas en esta colaboración, en la gran y gloria aventura de la narración. Si, a veces te dar instrucciones específicas sobre cómo debe verse el texto, pero Alan siempre anima a todos a sentirse libres de seguir o ignorar lo que él escribe, hacer lo que nosotros creamos que es lo mejor para la historia.

CP: ¿Qué hay del artista? Uno de mis comics favoritos en los que has participado es Promethea con J.H. Williams III. Por ejemplo, en lo que se refiere al tema de diseñar portadas, ¿Qué tanto colaborabas con James? ¿Hablaban de opciones de estilo?

TK: Promethea es una persona y una línea narrativa que se mueve mucho entre la magia y la fantasía, y tomamos mucho de un gran rango de libros, revistas y también portadas de comics, al igual que arte de otros medios, para tratar de crear algo nuevo en cada número. Creo que esto funcionó muy bien con Promethea, en particular gracias al increíble trabajo de J.H. Williams III. El disfrutó bastante de los retos que nosotros le lanzábamos y para el final de la serie, el mismo sugería ideas fantásticas. Es más, a medida que progresaba el comic, el enfoque de muchas de las portadas giraba en torno a un artista en particular que todos disfrutáramos, y que J.H. pudiera emular durante el transcurso de todo el número.

CP: Hablando de Promethea, debo mencionar el número 32. No sé bien como decir esto, pero cuando lo leí, sentí algo distinto. Se sintió como un trabajo masivo, una colaboración de las que nunca se había visto antes entre escritor, artista y diseñador de letreado. ¿Cómo fue esta experiencia? ¿Tomó mucho tiempo terminarla?

TK: Sí. Es probablemente el proyecto de comics más intricado y difícil en el que he estado envuelto. Me tomó meses completarlo. Describí todo el proceso de cómo se llevó a cabo en el artículo “Creando el Sueño: La Elaboración de Promethea #32” el cual apareció en el libro cinco de las colecciones de Promethea.

(Promethea 32 fue un comic que podía desarmarse y recontruirse de una manera precisa para crear dos retratos gigantes de Promethea, mientras que dentro de las pinturas, podíamos seguir una secuencia en forma de comic de la historia de la magia, la imaginación y una celebración a la vida)

CP: ¿Realizas alguna especie de autocensura? ¿Qué ocurre si alguien te entrega un guión con el cual no estás de acuerdo, ya sea por lenguaje o contenido? El único trabajo con el que me imagino alguien podría haber tenido problemas es Lost Girls. ¿Qué haces en estas circunstancias?

TK: Considero cada proyecto por separado, y en ocasiones he rechazado algunos que han tenido una base moral muy alejada a la mía como para sentirme lo suficientemente cómodo. La profanidad no me molesto siempre y cuando sea necesaria para contar una historia particular de manera correcta y realista, ya sea sexo o violencia. Pero si son usadas de manera gratuita o de manera que pueden ser destructivos para el lector, entonces lo rechazo. Pero esto es algo que no hago con casi ni uno de los trabajos que me ofrecen.

(Panel de Lost Girls, un comic pornográfico sobre las historias sexuales de las heroínas de El Mago de Oz, Peter Pan y Alicia en el País de las Maravillas)

CP: Muchos pensarían que una opción natural sería la de seguir una carrera como guionistas después de haber letreado tantos comics. ¿Alguna vez has escrito algún comic? En caso sí, ¿estarías interesado en hacerlo nuevamente?

TK: Escribí comics por muchos años, estos están detallados en la sección de Textos en mi página web. La mayoría de trabajos que hice eran para antologías, excepto por un periodo de dos años como escritor regular de “The Omega Men”. Dejé de escribir comics en los ochentas para dedicarme de pleno al letreado y diseño. Disfruté el trabajar como escritor, pero creo que el letreado es lo ideal para mí.

CP: Uno de tus trabajos finales que estoy disfrutando mucho son los prints que produces en colaboración con escritores como Alan Moore, Neil Gaiman y Alex Ross. Creo que es una manera genial de demostrar la importancia del letreo. ¿De dónde salió esta idea?

TK: Si bien la producción de estos posters puede sonar como la brillante idea de un negociante, la verdad es que pasó sin querer queriendo. Después de pensarlo por año, en enero del 2007 empecé a crear una web para mí mismo. Mirando en otras páginas web que me gustaban, me di cuenta que todas tenían una sección de “productos para venta”. Pensé que también debería hacer una. Junté una pequeña cantidad de objetos para vender, incluyendo dos serigrafías de 11” por 17” que había hecho en los noventas y las puse en la sección de compras de mi página web.

Hice algunas ventas durante las primeras semanas, pero estas se redujeron a casi nada para finales de julio. Así que empecé a pensar que qué cosas podía añadir a la lista. Nuevas serigrafías sobre mis tipos de letras era una opción, pero no se me ocurría nada más. Entonces se me ocurrió la idea de colaborar con algunos creadores populares y de renombre con los que había trabajado durante años como Alan Moore y Neil Gaiman. Esos nombres podían generar atención y ayudar e ventas. De los dos, tenía mayor contacto con Alan, así que empecé con él, y creamos el “Alfabeto del Deseo”, que para mi sorpresa fue un gran éxito. La segunda serigrafía, con colaboración de Neil Gaiman fue igual de exitosa.

(printe de Todd Klein con texto de Neil Gaiman escrito exclusivamente para Klein. De venta en su pag web.)

CP: Que bueno oír eso. Para terminar, ¿Tienes algún comentario para latinoamericanos interesados en seguir diseño y letreado?

TK: La verdad no se me ocurre nada que puede ser pertinente para latinoamericanos en particular. El diseño es un arte universal, pienso yo, el cual tiene un atractivo para todos. El letreado, como parte del trabajo de comics, atrae a pocos, pero para aquellos interesados, es un arte fascinante que nos lleva a nuevas rutas de aprendizaje y exploración.

CP: Muchas gracias Todd. Fue un gusto conversar contigo.