Alan Moore: LA ENTREVISTA, parte final

Dato #15 de cosas que no saben del Ciudadano POP: le cansa traducir textos del inglés al español. Es por eso que le pido disculpas a todos los que esperaban con ansias la entrega final de las entrevistas a Alan Moore, acerca de su técnica y proceso creativo. En este final de entrevistas, el mago de Northampton hablará de como los comics afectan nuestros cerebros y sus recomendaciones a todos los escritores novatos.

La entrevista como siempre, viene de Mouches d'Eau y es propiedad de Daniel Whiston. Si quieren leer la entrevista desde el comienzo y en español, lo pueden hacer dando click aquí. Pueden encontrar el resto de las entrevistas bajo la categoría 'Alan Moore' a la mano derecha. Provecho.

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Alan Moore: ¿Por qué funcionan los comics? Tendrías que profundizar en algún tipo de teoría desquiciada, pero si es teoría desquiciada lo que quieres, te diría que cuando trabajé en Brought to Life, descubrí que el Pentágono había hecho pruebas para ver cómo el ser humano podía absorber y retener información de la manera más rápida – trataron con textos simples, con fotografías, con texto bajo ilustraciones y con comics. Los comics funcionaron mejor

Ahora ¿Por qué los comics sirven tan bien para introducir ideas en las mentes de las personas? Yo creo que se debe a que usamos la parte verbal de nuestro cerebro – lo que se conoce como lado izquierdo o la ‘palabra’ junto a la parte preverbal de nuestra mente – el lado derecho, también conocido como la ‘imagen’. Por lo tanto, el comic es una de las pocas formas de arte que nos brinda una experiencia integrada. Cuando lees un comic, estás absorbiendo la imagen y la palabra a la vez. Estás viendo la imagen de manera periférica mientras lees las palabras.

Daniel Whiston: La sinestesia tiene algo que ver.

AM: Se trata de utilizar las dos partes de tu cerebro. Se podría comparar al cine, pero hay una gran diferencia. En el cine, no puedes sincronizar las imágenes y las palabras por tu cuenta. Cuando ves una película, estás siendo arrastrado a 24 cuadros por segundo. Hasta en los filmes más complejos, tú como espectador no puedes controlar el ritmo de lo que estás viendo. En un comic puedes sentarte y mirar y absorber todo a su propio paso, puedes tener capa sobre capa de significados y referencias.

DW: En parte porque el comic está hecho para que el lector maneje el ritmo.

AM: Claro. El lector está en control total de la experiencia. Es un medio en el que no solo combinas la parte verbal y visual de nuestras mentes, pero en el que estamos completamente en control de la experiencia. Y encima, como es un medio tan fácil de absorber, puedes retroceder páginas para revisar las cosas que desees. Fácil. Y son precisamente estas ventajas, las que le permiten a un escritor creativo, el crear estructuras inteligentes que se perderían en un film, pero que cuando están congeladas en la páginas, funcionan perfectamente.

(Future Shocks de Moore. Uno de sus primeros comics)

DW: Creo que sería interesante si hablamos de cómo sueles empezar una historia. Es decir, comienzas con alguna línea de diálogo, una idea, o…

AM: Bueno, uno puede empezar con cualquier cosa. Puede ser con una línea de diálogo o con la idea repentina de un personaje. La cosa que une a todo es el infinito y congelado tundra de una página en blanco.

DW: Estás hablando de crear algo de nada.

AM: Exacto. Este es el misterio esencial de la creación, ya sea el acto individual de escribir un poema, comic o el acto gigantesco de crear el universo. Ambos son un algo que viene de una nada. Podrías decir lo mismo sobre las ideas que entran en nuestras cabezas. Ideas. Allí siempre hay una página en blanco, esperando que empiece el proceso. Si eres un escritor, entonces estás hablando literalmente de una página en blanco.

Lo que tienes que hacer es ponerte tus propios límites. No puedes trabajar en un vacío conceptual, que es el significado de una página en blanco. Tienes que empezar poniéndote restricciones. Si estás trabajando en un medio comercial, tienes suerte. Varias de esas restricciones van a estar preimpuestas. Por ejemplo, puedes saber que vas a trabajar en un género de superhéroes y puedes saber que tiene que ser de 22 páginas, y de 6 a 7 paneles por página. Estas son las consideraciones estructurales que te dan un lugar donde empezar. Puedes empezar poniéndote reglas ridículas, quién sabe, pueden terminar ayudándote. No es necesario ser muy lógico al respecto.

DW: ¿Qué hay de algo negativo? Algo negativo desde tu perspectiva como escritor.

AM: OK… un negativo. Algo negativo. En verdad recomiendo a todos los que quieran escribir que hagan todos los malditos errores de los que sean capaces. No hagas muchos errores en los sitios que importa, pero no tengas miedo de tratar cualquier cosa. No temas al fracaso, no temas a nada. Y si fallas, eso te dará el incentivo de tratar alguna nueva idea la próxima vez. Varias de mis ideas han sido fracasos.

En la Cosa del Pantano, traté de unir la idea de zombies con el racismo en un número y la verdad, no funcionó. Terminé sin decir lo que en verdad quería decir, fue una historia ambigua, un poco sucia, un fracaso. Y como he dicho en antes, no me gusta fracasar, así que analicé lo que había hecho mal y seguí tratando.

Otro tip es el siguiente: Si te das cuenta que haces algo cuando escribes, probablemente significa que lo haces demasiado. Detente. Haz otra cosa. Si crees que ese algo se está volviendo parte de tu estilo, abandónalo, caso contrario, se volvería una muletilla, esa cosita fácil en la que siempre caes de vuelta. Todos tus libros serán igual que el anterior.

Seguro podemos pensar en varios escritores que - incluso escritores populares – que escriben el mismo libro una y otra vez. Seguro son entretenidos. Pero ya no van a ningún lado. Si te quedas quieto, morirás. Morirás con dinero, pero sin creatividad. Siempre busca un abismo decente del cual tirarte. Piensa en esto: “Que es lo más difícil que puedo escribir? ¿Qué cosa no estoy seguro que puedo hacer?"